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Rock Music Blog

jeudi 8 mai 2025

🎸 Michael Dinner – Tom Thumb The Dreamer (1976)

Pochette de l'album

🎶 Biographie (Français)

Michael Dinner est un chanteur, compositeur et musicien américain qui a émergé dans les années 1970 avec un style folk-rock et country-rock proche de celui de James Taylor, Jackson Browne ou encore J.D. Souther. Bien qu'il n'ait pas connu un succès commercial majeur en tant que musicien, il a marqué la scène américaine avec quelques albums remarquables avant de poursuivre une carrière dans l'industrie du divertissement, notamment en tant que scénariste et producteur de télévision.

🇺🇸 Biography (English)

Michael Dinner is an American singer, songwriter, and musician who emerged in the 1970s with a folk-rock and country-rock style reminiscent of James Taylor, Jackson Browne, and J.D. Souther. Although he didn't achieve major commercial success as a musician, he made a mark on the American scene with several notable albums before transitioning to a career in the entertainment industry, notably as a television writer and producer.

💿 Trackliste

  1. Tom Thumb The Dreamer

  2. Julye

  3. The Promised Land

  4. Thrown Out Of The Paradise Ballroom

  5. The Swallow

  6. Sitting In Limbo

  7. Apple Annie

  8. Silver Bullets

  9. Pale 

🎸 Musiciens

  • Michael Dinner – guitare, chant

  • Waddy Wachtel – guitare, chœurs

  • Dee Murray – basse, chœurs

  • Nigel Olsson – batterie, chœurs

  • David Foster – claviers, arrangements

  • Bill Champlin – orgue, chœurs

  • Chuck Findley – trompette

  • Dick Hyde – trombone

  • Lenny Pickett – saxophone ténor

  • Laura Allan – cithare, chœurs

  • Alan Estes – percussions

  • Gary Rowles, Richie Hayward, Timothy Schmidt – chœurs



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🎸 Arthur Lee Harper – Love Is The Revolution (1969)

Pochette d'album


🎶 Biographie (Français)

Arthur Lee Harper est un chanteur et compositeur folk américain, originaire de Melbourne, Floride. Actif à la fin des années 1960, il s'est distingué par une musique intimiste mêlant folk, pop baroque et psychédélisme doux. Son style évoque des artistes tels que Nick Drake, Donovan ou Vashti Bunyan, avec une voix délicate et des arrangements épurés.

Son premier album, Dreams and Images, est sorti en 1968 sous le nom d'Arthur sur le label LHI Records de Lee Hazlewood. L'album présente des compositions mélancoliques portées par une guitare acoustique et des orchestrations légères. Bien que l'album n'ait pas rencontré un grand succès commercial, il est devenu culte parmi les amateurs de folk psychédélique.

En 1969, Harper a sorti son deuxième album, Love Is The Revolution, sous son nom complet. Cet album, plus rare, a été initialement pressé en privé et est aujourd'hui recherché par les collectionneurs. Il poursuit dans la veine du folk introspectif avec des touches psychédéliques subtiles.

Après ces deux albums, Arthur Lee Harper s'est retiré de la scène musicale. Il est décédé le 2 janvier 2002.




🇺🇸 Biography (English)

Arthur Lee Harper was an American folk singer-songwriter from Melbourne, Florida. Active in the late 1960s, he was known for his intimate music blending folk, baroque pop, and gentle psychedelia. His style is reminiscent of artists like Nick Drake, Donovan, or Vashti Bunyan, characterized by a delicate voice and sparse arrangements.

His debut album, Dreams and Images, was released in 1968 under the name Arthur on Lee Hazlewood's LHI Records.The album features melancholic compositions driven by acoustic guitar and light orchestrations. Although it didn't achieve commercial success, it became a cult favorite among psychedelic folk enthusiasts.

In 1969, Harper released his second album, Love Is The Revolution, under his full name. This album, initially privately pressed, is now sought after by collectors. It continues in the vein of introspective folk with subtle psychedelic touches.

After these two albums, Arthur Lee Harper withdrew from the music scene. He passed away on January 2, 2002.


💿 Tracklist

Dreams and Images (1968)

  1. Blue Museum

  2. Children Once Were You

  3. Sunshine Soldier

  4. A Friend Of Mine

  5. Open Up The Door

  6. Dreams and Images

  7. Pandora

  8. Wintertime

  9. Living Circa 1920

  10. Valentine Love Is The Revolution (1969)

  1. New Day

  2. Light Up Your Man

  3. Flowers After Childhood

  4. Strange Song

  5. Hymn

  6. Annie Moore

  7. I / Soldier / Time Love

  8. Songwriter Crusader

  9. Eleanor

  10. My Woman


🎸 Musiciens

Arthur Lee Harper – guitare, chant


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🎸 Baby Grand – Baby Grand (1977)

Pochette de l’album


🎶 Biographie (Français)

Baby Grand était un groupe américain de rock progressif et pop sophistiqué, actif à la fin des années 1970. Formé à New York, le groupe réunissait des musiciens talentueux tels que Rob Hyman (claviers, chant), Eric Bazilian (guitare, chant), David Kagan (chant principal), Carmine Rojas (basse) et David Prater (batterie). Leur musique, influencée par des artistes comme Steely Dan et Todd Rundgren, se caractérisait par des arrangements complexes mêlant rock, jazz et soul.

En 1977, ils sortent leur premier album éponyme sous le label Arista Records. Produit par Rick Chertoff, l'album présente une fusion de rock mélodique et de jazz fusion, avec des morceaux aux structures élaborées et aux harmonies vocales riches. Malgré une réception critique positive, l'album n'a pas rencontré un grand succès commercial. Cependant, il est devenu un objet de culte parmi les amateurs de rock sophistiqué des années 70.

Après la dissolution de Baby Grand, Rob Hyman et Eric Bazilian ont fondé The Hooters, groupe qui a connu un succès notable dans les années 1980.


🇺🇸 Biography (English)

Baby Grand was an American progressive and pop rock band active in the late 1970s. Formed in New York City, the group featured talented musicians including Rob Hyman (keyboards, vocals), Eric Bazilian (guitar, vocals), David Kagan (lead vocals), Carmine Rojas (bass), and David Prater (drums). Their music, influenced by artists like Steely Dan and Todd Rundgren, was known for its complex arrangements blending rock, jazz, and soul.

In 1977, they released their self-titled debut album under Arista Records. Produced by Rick Chertoff, the album showcased a fusion of melodic rock and jazz fusion, featuring intricate song structures and rich vocal harmonies. Despite positive critical reception, the album did not achieve significant commercial success. However, it has become a cult classic among fans of sophisticated 70s rock.

Following Baby Grand's disbandment, Rob Hyman and Eric Bazilian went on to form The Hooters, a band that gained notable success in the 1980s.


💿 Trackliste

  1. Never Enough – 4:20

  2. Can't Keep It Inside – 4:36

  3. Bring Me Your Broken Heart – 3:49

  4. Lady Of My Dreams – 4:46

  5. Down, Down – 7:00

  6. Alligator Drive – 5:19

  7. Shinin' In The Spotlight – 3:55

  8. Boy In The Band – 5:01


🎸 Musiciens

  • David Kagan – chant principal

  • Rob Hyman – claviers, chant

  • Eric Bazilian – guitare, chant

  • Carmine Rojas – basse

  • David Prater – batterie


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🎸 Mayfly – Mayfly (1973)

Pochette de l’album


🎶 Biographie (Français)

Mayfly était un groupe néerlandais de rock progressif et folk actif entre 1972 et 1974. Originaire de Bergen, en Hollande-Septentrionale, le groupe a été fondé par les frères Gustaaf et Onno Verburg. Leur unique album éponyme, Mayfly, est sorti en 1973 sur le label Ariola Records. Bien que peu connu du grand public, cet album est aujourd'hui considéré comme une perle rare du rock progressif néerlandais des années 70.

Le style musical de Mayfly mêle habilement des éléments de rock progressif, de folk et de psychédélisme. Leurs compositions se caractérisent par des arrangements acoustiques délicats, des harmonies vocales soignées et l'utilisation d'instruments variés tels que la flûte, le violon, le piano électrique et le violoncelle. Les morceaux, souvent courts, créent une atmosphère rêveuse et introspective, évoquant des groupes comme Tudor Lodge ou The Trees, mais avec une touche pop distinctive.

Malgré la qualité de leur musique, Mayfly n'a pas rencontré de succès commercial significatif et s'est dissous peu après la sortie de leur album. Cependant, leur œuvre continue d'être redécouverte et appréciée par les amateurs de rock progressif et les collectionneurs de vinyles.


🇺🇸 Biography (English)

Mayfly was a Dutch progressive and folk rock band active between 1972 and 1974. Hailing from Bergen in North Holland, the group was founded by brothers Gustaaf and Onno Verburg. Their sole self-titled album, Mayfly, was released in 1973 on Ariola Records. Though not widely known, the album is now considered a hidden gem of 1970s Dutch progressive rock.

Mayfly's musical style skillfully blends elements of progressive rock, folk, and psychedelia. Their compositions are characterized by delicate acoustic arrangements, refined vocal harmonies, and the use of diverse instruments such as flute, violin, electric piano, and cello. The tracks, often short, create a dreamy and introspective atmosphere, reminiscent of bands like Tudor Lodge or The Trees, but with a distinctive pop twist.

Despite the quality of their music, Mayfly did not achieve significant commercial success and disbanded shortly after their album's release. However, their work continues to be rediscovered and appreciated by progressive rock enthusiasts and vinyl collectors.


💿 Trackliste

  1. From Now On

  2. Symptoms of Summer

  3. Dawn of an Old Man's Life

  4. The Smell of It

  5. Lemoncake

  6. The Stable

  7. Intermezzo

  8. Secondhand Dream

  9. Blue Sofa

  10. She Leaveth Me

  11. Topless Bertha


🎸 Musiciens

  • Maarten Min – chant

  • Gustaaf Verburg – guitares acoustique et électrique 6 cordes, guitare électrique 12 cordes, guitare slide, piano, chant

  • Onno Verburg – guitares acoustique et électrique 6 cordes, guitare acoustique 12 cordes, guitare espagnole

  • Arie de Geus – violon, piano électrique

  • Rinus Groeneveld – flûte, saxophone

  • Huub Nijhuis – violoncelle, basse

  • Ide Min – paroles

  • Martin Duiser – producteur, chœurs


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🎸 Bronco – Smoking Mixture (1973)

Pochette de l’album


🎶 Biographie (Français)

Bronco était un groupe britannique de rock formé au début des années 1970, connu pour son mélange de rock, de blues et de musique folk. Leur album Smoking Mixture, sorti en 1973, a marqué les débuts du groupe et est considéré comme un classique culte du rock des années 70. Leur son, souvent comparé à des groupes comme Free ou Led Zeppelin, se distingue par une approche plus douce et mélodique.

Les débuts de Bronco
Le groupe a été formé par le guitariste John Tisbury et le bassiste Gerry Laffy, tous deux passionnés par le blues-rock et le rock psychédélique des années 60. Leur objectif était de fusionner ces influences pour créer un son unique, alliant des rythmes blues profonds et des éléments progressifs. Très influencés par des groupes comme The Rolling Stones, The Doors, et The Band, Bronco a su se forger un style singulier.

L'album Smoking Mixture (1973)
Sorti sur le label Pye Records, Smoking Mixture est un mélange de rock progressif et de hard rock, tout en gardant une légèreté caractéristique. L’album, porté par des guitares puissantes et des rythmes entraînants, met en avant une voix distinctive, souvent émotive. Bien qu’il ait connu un certain succès en Europe, l’album n’a pas réussi à percer au niveau international, restant relativement obscur auprès du grand public.

Les membres du groupe

  • John Tisbury : guitare, chant principal

  • Gerry Laffy : basse, guitare

  • Rick Bockner : guitare lead

  • Graham Ritchie : batterie

  • Dave Houghton : claviers

Le style et l'influence musicale
Bronco a su marier le rock des années 70 avec des touches de blues, donnant à leur son une dimension unique. Bien qu’ils aient attiré une base de fans fidèle, le groupe n’a jamais été reconnu à sa juste valeur dans le mainstream. Leurs morceaux, comme Wasted Love et What A Man Needs, témoignent de leur capacité à mélanger énergie rock et influences blues.

La fin de Bronco
Après Smoking Mixture, Bronco a continué à jouer et à enregistrer, mais sans parvenir à retrouver le succès commercial espéré. Le groupe s’est dissous à la fin des années 70, chaque membre poursuivant sa carrière dans divers projets musicaux.

Legacy
Bien qu’il n’ait pas atteint une grande notoriété à l’époque, Bronco reste respecté dans les cercles du rock des années 70. Smoking Mixture est devenu un album culte parmi les collectionneurs et les passionnés de rock rétro. Le groupe n’a peut-être pas eu un impact majeur à l’époque, mais il est aujourd’hui redécouvert par les amateurs de rock classique et les collectionneurs de vinyles.


🇺🇸 Biography (English)

Bronco was a British rock band formed in the early 1970s, known for their blend of rock, blues, and folk music. Their album Smoking Mixture, released in 1973, marked the band’s debut and is now considered a cult classic of 70s rock. Their sound, often compared to bands like Free and Led Zeppelin, is distinguished by a softer and more melodic approach.

The Beginnings of Bronco
The band was formed by guitarist John Tisbury and bassist Gerry Laffy, both passionate about blues-rock and psychedelic rock from the 60s. Their goal was to fuse these influences to create a unique sound combining deep blues rhythms with progressive elements. Influenced by bands like The Rolling Stones, The Doors, and The Band, Bronco carved out their own distinctive style.

The Album Smoking Mixture (1973)
Released by Pye Records, Smoking Mixture blends progressive rock with hard rock while maintaining a certain lightness. The album, driven by powerful guitars and catchy rhythms, features a distinctive and often emotional voice. Although it enjoyed some success in Europe, the album did not break through internationally and remained relatively obscure to the general public.

Band Members

  • John Tisbury: guitar, lead vocals

  • Gerry Laffy: bass, guitar

  • Rick Bockner: lead guitar

  • Graham Ritchie: drums

  • Dave Houghton: keyboards

Musical Style and Influence
Bronco blended 70s rock with blues influences, creating a sound that was both powerful and nuanced. Although they garnered a loyal fanbase, the band never achieved widespread recognition in the mainstream. Songs like Wasted Love and What A Man Needs showcase their ability to balance rock energy with blues influences.

The End of Bronco
After Smoking Mixture, the band continued to perform and record but was unable to achieve the commercial success they had hoped for. The band dissolved in the late 70s, with each member pursuing individual musical projects.

Legacy
Although they never achieved major recognition at the time, Bronco is still respected in 70s rock circles. Smoking Mixturehas become a cult album among collectors and retro rock enthusiasts. The band may not have had a major impact during their time, but they are now rediscovered by fans of classic rock and vinyl collectors.


💿 Trackliste

  1. Wasted Love

  2. What A Man Needs

  3. Roll On

  4. Dark Cloud

  5. Out Of My Mind



  6. No Regrets

  7. Sailing On

  8. Tell Me

  9. Blue Skies

  10. Keep On Running


🎸 Musiciens

  • John Tisbury : guitare, chant principal

  • Gerry Laffy : basse, guitare

  • Rick Bockner : guitare lead

  • Graham Ritchie : batterie

  • Dave Houghton : claviers



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🎸 Tender Leaf - Tender Leaf (1982)

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🎶 Biographie (Français)

Tender Leaf est un groupe de rock indépendant qui a fait ses débuts au début des années 80, mais qui reste relativement obscur dans l'histoire de la musique. Leur album éponyme, Tender Leaf, sorti en 1982, représente une œuvre unique qui n'a pas reçu la reconnaissance qu'elle mérite à l'époque, mais qui est aujourd'hui appréciée par les collectionneurs et les passionnés de musique rétro.

L'Album Tender Leaf (1982)

L’album, bien que peu connu, s’inscrit dans la vague de groupes explorant des sonorités mêlant rock alternatif, pop psychédélique et influences folk. Le groupe a su créer une atmosphère particulière, avec des mélodies mélancoliques et introspectives, enrichies par des arrangements subtils et une approche expérimentale maîtrisée.

On y trouve des compositions douces et aériennes, ponctuées de passages instrumentaux fluides qui rappellent la sensibilité du rock progressif et psychédélique des décennies précédentes, tout en gardant une esthétique propre au début des années 80. Guitares acoustiques et électriques s'entrelacent dans une production claire et expressive.

Le Style Musical de Tender Leaf

Le style de Tender Leaf se caractérise par une fusion élégante entre folk, rock psychédélique et rock alternatif. Loin de l’expérimentation radicale de la fin des années 60, le groupe privilégie ici une ambiance rêveuse et introspective, faite d’harmonies douces et de guitares raffinées. La voix du chanteur, limpide et sincère, renforce cette atmosphère chaleureuse et contemplative.

Les paroles abordent des thèmes universels – introspection, relations humaines, nature – avec une sensibilité poétique et une certaine retenue qui accentue leur puissance émotionnelle.

Le Groupe et Son Histoire

Peu d’informations circulent sur les membres de Tender Leaf, et leur parcours avant ou après cet album reste mystérieux. Cependant, leur œuvre s’inscrit parfaitement dans cette période charnière où le rock cherchait de nouveaux chemins, plus organiques et intimistes. L’album reste aujourd’hui un témoignage précieux de cette époque d’expérimentation subtile.

Réception et Héritage

Sans être un succès commercial, Tender Leaf a gagné une reconnaissance posthume au fil des décennies. L’album est souvent redécouvert par les amateurs de vinyles et les passionnés de musique psychédélique rare. Il s’est imposé comme un joyau caché, recommandé aux curieux désireux d’explorer les marges inspirées du rock folk des années 70-80.


🇺🇸 Biography (English)

Tender Leaf is an independent rock band that emerged in the early 1980s, though they remain relatively obscure in music history. Their self-titled album, Tender Leaf, released in 1982, is a unique gem that went largely unnoticed at the time but has since gained cult status among collectors and retro music enthusiasts.

The Album Tender Leaf (1982)

Though not widely known, the album belongs to the wave of early '80s bands experimenting with a blend of alternative rock, psychedelic pop, and folk influences. Tender Leaf crafted an atmosphere full of melancholic introspection, enhanced by subtle arrangements and a gentle sense of experimentation.

With airy, soft compositions and flowing instrumental segments, the album evokes the progressive and psychedelic rock of the '60s and '70s, but with a distinctly modern production style. Acoustic and electric guitars intertwine in clear, expressive arrangements.

The Musical Style of Tender Leaf

Their style stands out for its elegant fusion of folk, psychedelic rock, and alternative sounds. Less radical than the psychedelic pioneers of the late '60s, Tender Leaf favors a dreamy, introspective atmosphere filled with gentle harmonies and refined guitar work. The lead vocals are clean and sincere, adding to the emotional impact.

Lyrically, the songs explore themes like self-discovery, human connection, and nature with poetic sensitivity and emotional restraint.

The Band and Its Story

Very little is known about Tender Leaf’s members or what became of them after this release. However, the album captures a pivotal era when rock music turned toward more organic and intimate expressions. It remains a valuable document of early '80s musical exploration.

Reception and Legacy

Although not a commercial success, Tender Leaf found a second life among vinyl collectors and fans of obscure psychedelic rock. Today, the album is regarded as a hidden treasure, recommended to those who appreciate delicate folk-rock fusion with introspective lyrics and a timeless emotional touch.


🎶 Tracklist

  1. Beautiful Hawaii Kai – 3:12

  2. Countryside Beauty – 3:33

  3. You Are My Love – 3:03

  4. You're My Fantasy – 3:27

  5. Coast To Coast – 4:02

  6. Shores Of Makapuu – 2:52

  7. Future Family – 4:56

  8. Oh, Stop – 3:15

  9. Going To The Country – 4:14

👥 Musiciens

  • Murray Compoc – guitare, chant principal

  • Darryl Valdez – guitare solo et rythmique, chœurs

  • John Franklin – guitare solo et rythmique

  • Patrick Caraulia – congas, chœurs

  • Bob Hernandez – basse

  • Vince Ostertag – batterie

  • Kit Ebersbach – claviers, synthétiseur, production

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🎸 Frankie Miller – Once in a Blue Moon (1972)

Pochette de l’album

🎶 Biographie (Français)

Premier album solo de l'artiste écossais Frankie Miller, Once in a Blue Moon est une œuvre marquante du début des années 70, mêlant folk, rock, soul et une touche de pub rock britannique.
Sorti sur le label Chrysalis, cet album dévoile un chanteur à la voix rauque et expressive, capable de naviguer entre ballades poignantes et morceaux plus énergiques.

Enregistré aux Rockfield Studios, l'album bénéficie de l'accompagnement du groupe Brinsley Schwarz, apportant une richesse instrumentale notable.
Les compositions de Miller, à l'exception de quelques reprises, révèlent une sensibilité particulière, oscillant entre introspection et énergie brute.
Le mélange des genres, allant du folk au rock en passant par des touches de soul, confère à l'album une diversité sonore appréciable.

🇺🇸 Biography (English)

Frankie Miller's debut solo album, Once in a Blue Moon, stands as a significant release from the early '70s, blending folk, rock, soul, and a hint of British pub rock.
Released on the Chrysalis label, the album showcases a raw and expressive voice, capable of delivering both heartfelt ballads and energetic tracks.

Recorded at Rockfield Studios, the album features backing by the band Brinsley Schwarz, adding rich instrumentation throughout.
Except for a few covers, Miller’s songs display a delicate balance between introspection and vigor.
The album’s mix of folk, rock, and subtle soul elements creates a compelling and varied sound.

💿 Trackliste

  1. You Don't Need to Laugh (To Be Happy)

  2. I Can't Change It

  3. Candlelight Sonata in 'F' Major

  4. Ann Eliza Jane

  5. It's All Over

  6. In No Resistance

  7. After All (I Live My Life)

  8. Just Like Tom Thumb's Blues

  9. Mail Box

  10. I'm Ready

🎸 Musiciens

  • Frankie Miller : chant, guitare acoustique, harmonica

  • Brinsley Schwarz : guitare solo, guitare acoustique

  • Ian Gomm : guitare

  • Nick Lowe : basse électrique, contrebasse

  • Bob Andrews : piano, piano à queue, accordéon

  • Bill Rankin : batterie

    🎧 Écoute en ligne

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🎸 Ben Atkins – Patchouli (1971)

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🎶 Biographie (Français)

Ben Atkins est un auteur-compositeur-interprète américain dont la brève mais marquante apparition dans la scène musicale des années 70 a laissé un album culte : Patchouli, paru en 1971. Bien que peu médiatisé et n’ayant jamais atteint la célébrité de ses contemporains, Atkins a su se faire une place dans l’underground folk-psychédélique grâce à une approche musicale originale, sincère et expérimentale.

Son style musical puise dans un mélange de folk, de rock doux et de sonorités psychédéliques. La voix de Ben Atkins, à la fois discrète et habitée, est portée par des arrangements raffinés et des guitares envoûtantes. Il écrit des chansons poétiques qui abordent des thèmes profonds : la quête spirituelle, l’amour, la nature ou encore la solitude.

L’album Patchouli est à la fois une œuvre personnelle et le reflet d’une époque riche en mutations culturelles. L’odeur évoquée par son titre – celle d’une huile essentielle associée à la contre-culture – symbolise parfaitement l’ambiance planante et introspective de l’album.

Bien qu’il n’ait pas poursuivi une carrière flamboyante, Ben Atkins est aujourd’hui redécouvert par les amateurs de sons authentiques et alternatifs. Patchouli reste une œuvre précieuse pour qui explore les recoins méconnus de la musique des seventies.


🇺🇸 Biography (English)

Ben Atkins is an American singer-songwriter who made a brief but resonant mark on the early 1970s music scene with his sole album, Patchouli, released in 1971. Though he never reached mainstream fame, his work is treasured by collectors and fans of psychedelic and folk-rock for its melodic depth and sonic originality.

Atkins’ musical style blends folk roots with soft rock and subtle psychedelic textures. His voice, intimate and subdued, serves as a vessel for poetic songwriting exploring spiritual longing, love, nature, and personal introspection. The album’s title, Patchouli, evokes the scent closely tied to 60s–70s counterculture, hinting at the era’s spiritual explorations and creative freedom.

Patchouli stands as both a personal artistic statement and a testament to a time of musical experimentation. Released during the height of psychedelic folk’s rise, it captures the atmosphere of an era while retaining its unique character.

After the release of Patchouli, Ben Atkins largely disappeared from the public eye, leaving behind a single album that has since become a cult favorite. For many, Patchouli remains an undiscovered gem of the psychedelic folk movement — a quiet, introspective record whose legacy endures.


💿 Trackliste

  1. Patchouli

  2. Your Sweet Love

  3. Don't Cry

  4. River Song

  5. Let Me Lay It On You

  6. Down On The Farm

  7. Look At You

  8. Georgia Friend

  9. Dream On Little Dreamer

  10. Mama Was A Mover


🎸 Musiciens

  • Ben Atkins – Chant, guitare

  • David Hood – Basse

  • Donald "Duck" Dunn – Basse

  • Roger Hawkins – Batterie

  • Jimmy Johnson (4) – Guitare

  • Wayne Perkins – Guitare

  • Barry Beckett – Claviers

  • Ginger Holladay – Chœurs

  • Mary F. Holladay – Chœurs

  • Jeanie Greene – Chœurs

  • Temple Riser – Chœurs

Équipe technique :

  • Bobby Manuel – Producteur, mixage, ingénieur

  • Ron Capone – Mixage

  • Dave PurpleEddie MarionLarry HambyLarry NixWilliam C. Brown III – Ingénieurs du son


🎵 Lien d’écoute

🎧 Ben Atkins – Patchouli (1971)

🎸 Severin Browne – Severin Browne (1973)

Pochette de l’album


🎶 Biographie (Français)

Severin Browne, né en 1949 à Francfort, est un auteur-compositeur-interprète américain issu d'une famille profondément musicale. Son père, jazzman passionné, et son frère aîné Jackson Browne, figure emblématique de la scène folk-rock californienne, ont fortement influencé son parcours artistique. Dès son plus jeune âge, Severin s'initie à divers instruments avant de se consacrer à la guitare et au piano.

En 1970, il rejoint Motown en tant qu'auteur-compositeur, devenant ainsi l'un des premiers artistes folk/country blancs du label. Son premier album éponyme, Severin Browne, sort en 1973. Produit par Larry Murray, l'album propose une fusion délicate de folk, pop et rock mélodique, mettant en avant des paroles introspectives et des arrangements subtils. Bien que l'album n'ait pas rencontré un succès commercial immédiat, il est aujourd'hui considéré comme un classique culte des années 70.

La musique de Severin Browne se distingue par sa capacité à marier des mélodies accrocheuses à des textes poétiques, abordant des thèmes tels que l'amour, la perte et la réflexion personnelle. Son style vocal clair et intime lui a permis de s'intégrer à la scène musicale de Los Angeles, aux côtés d'artistes comme Jackson Browne, J.D. Souther et Linda Ronstadt.

Après la sortie de cet album, Severin continue à écrire et à se produire localement, tout en collaborant avec divers artistes.Bien que sa carrière soit restée discrète, il demeure une figure respectée pour son authenticité et sa contribution à la musique folk-pop.


🇺🇸 Biography (English)

Severin Browne, born in 1949 in Frankfurt, is an American singer-songwriter from a deeply musical family. His father, a passionate jazz musician, and his older brother Jackson Browne, a prominent figure in the Californian folk-rock scene, greatly influenced his artistic journey. From a young age, Severin explored various instruments before focusing on guitar and piano.

In 1970, he joined Motown as a songwriter, becoming one of the label's first white folk/country artists. His self-titled debut album, Severin Browne, was released in 1973. Produced by Larry Murray, the album offers a delicate blend of folk, pop, and melodic rock, featuring introspective lyrics and subtle arrangements. Although the album didn't achieve immediate commercial success, it is now considered a cult classic of the 1970s.

Severin Browne's music is characterized by his ability to combine catchy melodies with poetic lyrics, addressing themes such as love, loss, and personal reflection. His clear and intimate vocal style allowed him to integrate into the Los Angeles music scene alongside artists like Jackson Browne, J.D. Souther, and Linda Ronstadt.

Following the release of this album, Severin continued writing and performing locally, collaborating with various artists.While his career remained low-profile, he is respected for his authenticity and contribution to folk-pop music.


💿 Trackliste

  1. Stay

  2. Darling Christina

  3. Snow Flakes

  4. Raggedy Ann & Me

  5. Skip Tune

  6. Sister

  7. Not Quite Time

  8. There's A Lot To Be Said

  9. Just A Matter Of Time

  10. The All-American Boy And His Dog


🎸 Musiciens

  • Severin Browne – Chant, guitare, piano

  • Richard Bennett – Guitare

  • Maury Manseau – Guitare

  • Emory Gordy – Basse

  • Bruce Buell – Basse

  • Steve LeFever – Basse

  • Alan Lindgren – Claviers, synthétiseur

  • John Guerin – Batterie

  • Dennis Conway – Batterie

  • Merel Bregante – Batterie

  • "Sneaky" Pete Kleinow – Guitare pedal steel sur "Darling Christina"

  • King Errisson – Congas

  • Jackson Browne – Chœurs sur "Darling Christina"

  • Linda Ronstadt – Chœurs sur "Darling Christina"

  • J.D. Souther – Chœurs sur "Darling Christina"

  • Larry Murray – Producteur


🎵 Lien d’écoute

🎧 Severin Browne – Severin Browne (1973)