Buffalo Killers - 3 (2011)

Composed of brothers Zachary and Andrew Gabbard and Joseph Sebaali, Buffalo Killers are among their fans Chris Robinson of the Black Crowes and Dan Auerbach of the Black Keys. It must be said that the first two discs of the exciting trio deserved the welcome lighting. After passing the test with flying colors from the second album Let It Ride, impatiently expected to listen redelivery of the group, a third album that we hoped was that of confirmation. The change is radical this time. Apart from a few reminiscences (some discrete projections as guitars on "Huma Bird") we are far from blues rock beginnings. Between pop and Americana, the band released its most peaceful album to date but also probably the most control. Between Big Star and Buffalo Springfield for the pop side but especially Neil Young for the look americana, this new album is a delight for the ears.

Composé des frères Zachary et Andrew Gabbard et de Joseph Sebaali, les Buffalo Killers comptent parmi leurs fans Chris Robinson des Black Crowes et Dan Auerbach des Black Keys. Il faut dire que les deux premiers disques enthousiasmants du trio méritaient cet éclairage bienvenu.
Après avoir passé avec brio le test du deuxième album Let It Ride, on attendait impatiemment de pouvoir écouter la nouvelle livraison du groupe, un troisième album que l'on espérait être celui de la confirmation. Le changement est cette fois-ci radical. Mis à part quelques réminiscences (quelques saillies discrètes de guitares comme sur "Huma Bird") on est très loin du blues rock des débuts. Entre pop et americana, le groupe a sorti son album le plus apaisé à ce jour mais aussi sans doute le plus maîtrisé. Entre Big Star et Buffalo Springfield pour le côté pop mais surtout Neil Young pour l'aspect americana, ce nouvel album est un ravissement pour les oreilles.

Buffalo Killers - Huma Bird

Buffalo Killers - Could Never Be

Buffalo Killers - Time Was Shaping

Buffalo Killers - Fit To Breath

Buffalo Killers - Circle Day

Buffalo Killers - Mountain Sally

Buffalo Klilers - Lily Of The Valley

From'3'; 2011

The Black Crowes - Shake Your Money Maker (1990)

At the most unexpected moment, between a first techno wave and grunge proclamation overhyped, now tumbling in 1990 that Shake Your Money Maker drenched guitars slides on overheated amps, with a frayed and jeering singer. British boogie sound old, served by Yankees barely out of adolescence. So, okay, this is probably not the best rock record of the world, but it's one of the best of his time. It is played with honesty and enthusiasm that can What to take the votes of old London pubs lovers drowned in the vapors of warm ale. Of 'Twice As Hard "to" Hard to Handle', through 'Jealous Again', it spark small rough diamonds that sound like true classics from the first listen.

Au moment le plus inattendu, entre une première vague techno et la proclamation surmédiatisée du grunge, voilà que déboule en 1990 ce Shake Your Money Maker gorgé de guitares slides sur amplis surchauffés, avec un chanteur éraillé et goguenard. Un son de boogie british à l'ancienne, servi par des Yankees à peine sortis de l'adolescence. Alors, d'accord, ce n'est sans doute pas le meilleur disque de rock du monde, mais c'est un des meilleurs de sa période. Il est joué avec une honnêteté et un enthousiasme qui ne peuvent qu'emporter les suffrages des vieux amateurs de pubs londoniens noyés dans les vapeurs d'Ale tiède. De 'Twice As Hard' à 'Hard to Handle', en passant par 'Jealous Again', il étincelle de petits diamants bruts qui sonnent comme de vrais classiques dès la première écoute.

The Black Crowes - Shake Your Money Maker (LP)

1990

🎸 Mahogany Rush – Child Of The Novelty (1974)

Pochette de l'album Mahogany Rush – Child Of The Novelty

🇫🇷 Biographie

Originaire de Montréal, Mahogany Rush est emmené par le guitariste prodige Frank Marino. Dès ses débuts, le groupe s’inscrit dans un registre hard rock psychédélique fortement influencé par Jimi Hendrix, auquel Marino est souvent comparé. Sorti en 1974, Child Of The Novelty, deuxième opus du groupe, confirme l’étendue du talent du guitariste, qui y déploie une palette sonore riche, mêlant virtuosité technique, atmosphères planantes et riffs incisifs. Ce disque demeure une référence du genre, caractérisé par ses longues envolées instrumentales et une maîtrise parfaite des textures sonores.

🇺🇸 Biography

Hailing from Montreal, Mahogany Rush is led by guitar virtuoso Frank Marino. Strongly influenced by Jimi Hendrix, the band delivers psychedelic hard rock with extensive guitar work and hypnotic grooves. Child Of The Novelty (1974), their second album, showcases Marino’s technical prowess and compositional maturity, blending soaring solos, heavy riffs, and spacey atmospheres. The album remains a cult classic, epitomizing 70s psychedelic hard rock excellence.

💿 Trackliste

1. Look Outside

2. Thru The Milky Way

3. Talkin' 'Bout A Feelin'

4. Child Of The Novelty

5. Makin' My Wave

6. A New Rock & Roll

7. Changing

8. Plastic Man

9. Guit War

10. Chains Of (S)pace

🎸 Musiciens

• Frank Marino – guitare, chant

• Paul Harwood – basse

• Jimmy Ayoub – batterie, percussions

🎧 Écoute en ligne

Vous pouvez écouter l’album complet ici :

👉 Mahogany Rush – Child Of The Novelty (1974)

Los Lonely boys - Sacred (2006)

Los Lonely Boys is a group composed of three brothers Garza family to San Angelo, Texas. Sacred is their first album. Their sound is a little Santana, some Los Lobos, a little Stevie Ray Vaughan, and many Garza Brothers. They play very tight melodies, composition and lyrics are real and sincere. The guitar playing is phenomenal Henry Garza. His work is exquisite, with small nuances spread throughout the different tracks. Jo-Jo and Ringo Garza give their side a rhythm section that enhances each song.

Los Lonely Boys est un groupe réunissant trois frères de la famille Garza de San Angelo, Texas. Sacred est leur premier album. Leur son est un peu Santana, un peu Los Lobos, un peu Stevie Ray Vaughan, et beaucoup Garza Brothers. Ils jouent des mélodies très serrées, la composition et les paroles sont réelles et sincères. Le jeu de guitare de Henry Garza est phénoménal. Son travail est exquis, avec de petites nuances réparties tout au long des différentes pistes. Jo-Jo et Ringo Garza fournissent de leur côté une section rythmique qui améliore chaque chanson.

Los Lonely Boys - Sacred (LP)

2006

🎸 Redbone – Potlatch (1970)

Pochette de l'album

🇫🇷 Biographie (Français)

Fondé par les frères Pat et Lolly Vegas, d’origine amérindienne (Yaqui et Shoshone), Redbone revendique dès ses débuts une identité musicale et culturelle forte. Après un premier album remarqué en 1970, le groupe enchaîne la même année avec Potlatch, un disque plus affirmé où se mêlent rock psychédélique, funk, blues et racines tribales. L’album emprunte son titre à une cérémonie de dons pratiquée par les peuples autochtones du Nord-Ouest américain, traduisant l’esprit de partage et de fierté culturelle du groupe. Avec ses riffs hypnotiques, ses percussions tribales et son groove envoûtant, Potlatch impose un son unique à la croisée de plusieurs mondes.

Potlach est le second opus de Redbone, un quatuor d'amérindiens, paru en 1970. Le rythme de leurs conpositions est à la fois une pulsation de tambour de guerre indiens et incroyablement souple et jazzy. La rythmique est assurée par Pete de Poe le batteur et Pat Vegas le bassiste et pousse au cul en permanence le guitariste soliste et chanteur principal Lolly Vegas. Enfin Tony Bellamy, le guitariste rythmique, envoie des riffs souples et incandescents en permanence derrière le soliste. Le genre de musique tout à fait pionnière au début des 70's, avec Santana. Le foisonnement des rythme y est absolument infernal. Le premier opus de ce groupe (paru en 1969) est également excellent. 

🇬🇧 Biographie (English)

Formed by Native American brothers Pat and Lolly Vegas (of Yaqui and Shoshone descent), Redbone brought Indigenous identity and heritage to the forefront of American rock. Their second release, Potlatch (1970), builds on their debut with a deeper blend of psychedelic rock, funk, blues, and tribal rhythms. The album’s title references a traditional gift-giving ceremony of Indigenous peoples of the Pacific Northwest – reflecting the band's cultural pride and spirit of generosity. With hypnotic riffs, layered percussion, and a richly textured groove, Potlatch delivers a sound that is distinctly Redbone: soulful, defiant, and deeply original.

Potlatch is the second album recorded by Redbone, a Native American quartet, published in 1970. The pace of their compositions is both a pulsating Indian war drum and incredibly soft and jazzy. The rhythm is provided by Pete Poe drummer and bassist Pat Vegas and grows continuously ass lead guitarist and lead singer Lolly Vegas. Finally Tony Bellamy, rhythm guitarist, and sends soft incandescent riffs continuously behind the soloist. The kind of music quite a pioneer in the early 70's, with Santana. The profusion of rhythm is absolutely hellish. The first installment of this group (published in 1969) is also excellent.

💿 Trackliste

1. Maggie – 3:11

2. Light as a Feather – 2:43

3. Who Can Say? – 2:39

4. Judgement Day – 3:36

5. Without Reservation – 3:05

6. Chant: 13th Hour – 5:38

7. Alcatraz – 4:21

8. Drinkin' and Blo – 4:35

9. Bad News Ain’t No News at All – 2:48

10. New Blue Sermonette – 5:06

🎸 Musiciens

Lolly Vegas – guitare solo, chant
Tony Bellamy – guitare rythmique, piano, chant
Pat Vegas – basse, chant
Peter DePoe – batterie, percussions

• invités non crédités (cuivres et percussions tribales)

🎧 Écoute en ligne

Vous pouvez écouter l’album complet ici :

👉 Redbone – Potlatch (1970)

🔑 Mots-clés SEO : Redbone, Potlatch, 1970, rock amérindien, Pat Vegas, Lolly Vegas, psychédélique, funk rock, percussions tribales, Chant: 13th Hour, Alcatraz, rock autochtone

Lucinda Williams - Blessed (2011)

Lucinda's in love but his songs still pass through spleen clouds, at the intersection of Avenue of the dead rattlesnakes and square slotted souls. We did not remake, where the melodies and voices hoarse dragging on routs cramées the old American dream. And that rock, impregnated with all US sources, blues, folk, country, crunching power. In a contemporary record, we rarely hear guitars dirty stripper much emotion. This is the case here, especially in the remarkable 'Soldier's Song', slow pain or beach holder of the disc, where 2, 3, maybe 4 instruments intertwine in what is already the best 6 strings hug o the year.

Lucinda est amoureuse mais ses chansons traversent toujours des nuages de spleen, au croisement de l'avenue des crotales morts et du square des âmes fendues. On ne se refait pas, d'où ces mélodies et voix éraillées traînant sur les déroutes cramées du vieux rêve américain. Et ce rock, imprégné à toutes les sources US, blues, folk, country, crissant d'électricité. Dans un disque contemporain, on entend rarement des guitares crasseuses dénuder autant l'émotion. C'est le cas ici, particulièrement dans le remarquable 'Soldier's Song', lente douleur, ou sur la plage titulaire du disque, où 2, 3, peut-être 4 instruments, s'enlacent dans ce qui est déjà la plus belle étreinte à 6 cordes de l'année.

Lucinda Williams - Blessed (LP)
2011

🎸 Love – Four Sail (1969)

Pochette de l'album

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🇫🇷 Biographie

En 1969, sort le quatrième album officiel de Love, formation psychédélique californienne emmenée par Arthur Lee. On est cependant loin de l'inspiration des trois précédents (Love, Da Capo et l'insurpassable sommet que représente Forever Changes). En quête d'un succès mérité, le leader a dissous la formation originelle au profit d'un groupe plus technique, entre autres constitué du guitariste virtuose Jay Donnellan. Même si çà et là, on retrouve un peu de la part de mystère et de cette richesse mélodique qui faisaient tout le génie de leur troisième album, l'ensemble est toutefois produit dans un registre plus "lourd" qui évoquera, avec moins de panache évidemment, Jimi Hendrix (avec lequel Arthur Lee enregistrera d'ailleurs). Un an après sortira Out Here, issu des mêmes séances, avant que le groupe ne se sépare en 1971. Un morceau inédit justifie à lui seul l'intérêt que mérite Four Sails  : c'est une extraordinaire version longue de 'Singing Cowboy'.

Sorti en août 1969, Four Sail marque une étape charnière dans la carrière de Love, groupe californien emblématique de la scène psychédélique. Après la dissolution de la formation classique ayant enregistré le chef-d’œuvre Forever Changes, Arthur Lee reconstruit entièrement le groupe autour de nouveaux musiciens. L’album mêle toujours des influences psyché, folk et rock, mais dans une veine plus brute, introspective et électrique, reflétant les tensions personnelles et sociales de l’époque. Moins orchestré que son prédécesseur, Four Sail brille par ses compositions mélancoliques, portées par la voix tourmentée et expressive d’Arthur Lee.

🇺🇸 Biography
Released in August 1969, Four Sail represents a pivotal transition in the history of Love. Following the disbandment of the original lineup that created Forever Changes, Arthur Lee assembled a new group of musicians to pursue a more stripped-down, raw sound. The album blends psychedelic, folk, and hard rock influences, showcasing Lee’s darker lyrical vision and emotional depth. While not as lushly orchestrated as its predecessor, Four Sail remains a compelling and underrated entry in Love’s discography, revered for its intensity and personal resonance.

In 1969, released the fourth official album Love, Californian psychedelic formation led by Arthur Lee. However, it is far from the inspiration of the previous three (Love, Da Capo and the unsurpassable summit represented Forever Changes). In search of a deserved success, the leader dissolved the original formation in favor of a more technical group, among others consists of virtuoso guitarist Jay Donnellan. Although here and there, there are a few from this mystery and melodic richness that made the genius of their third album, but all occurred in a register more "heavy" which evoke, with less panache of course, Jimi Hendrix (with which Arthur Lee record elsewhere). One year after release Out Here, from the same sessions, before the group split in 1971. A unique piece justifies alone the interest that deserves Four Sails: it is an extraordinary long version of 'Singing Cowboy'.

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💿 Trackliste
A1. August
A2. Your Friend and Mine – Neil’s Song
A3. I'm With You
A4. Good Times
A5. Singing Cowboy

B1. Dream
B2. Robert Montgomery
B3. Nothing
B4. Talking in My Sleep
B5. Always See Your Face

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🎸 Musiciens

• Arthur Lee – chant, guitare

• Jay Donnellan – guitare

• Frank Fayad – basse

• George Suranovich – batterie

• Paul Rothchild – production

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Vous pouvez écouter l’album complet ici :

👉 Love – Four Sail (1969)

🔑 Mots-clés SEO
Love, Four Sail, Arthur Lee, 1969, rock psychédélique, folk rock, rock californien, post-Forever Changes, albums cultes, Jay Donnellan, George Suranovich, Love band, Elektra Records, musique des années 60

🎸 The Beach Boys – Surf’s Up (1971)

Pochette de l'album

🇫🇷 Biographie (Français)

Sorti en 1971, Surf’s Up est l’un des albums les plus profonds et poétiques des Beach Boys, bien loin des hymnes ensoleillés des débuts. Porté par la sensibilité de Brian Wilson et la plume introspective de Van Dyke Parks, ce disque symbolise le tournant artistique du groupe vers un rock plus adulte, empreint de mélancolie, d'engagement écologique et de complexité harmonique. Alternant entre ballades sombres, orchestrations baroques et envolées lyriques, Surf’s Updémontre que les Beach Boys savaient aussi parler à l’âme autant qu’aux sens.

Il est communément admis que ce monument constitue la dernière grande oeuvre des Beach Boys, et c'est juste ! Plus équilibré que Smiley Smile (qui possède quelques tubes comme 'Good Vibrations' et 'Heroes And Villains'), plus posé que Wild Honey (où Mike Love en fait des tonnes pour relancer le groupe) ou encore l’indigeste Sunflower, cet album montre une qualité d’écriture et une variété dans les chansons qu’aucun autre album tardif des Beach Boys ne possède. L’album est sorti en 1971, soit quatre années après l’implosion de Brian Wilson. Désormais débarrassé de son identité surf et de son image avant-gardiste, le groupe s’est en outre fait dépasser par la génération Woodstock. Après 10 ans de carrière, le groupe fait désormais partie de l’establishment, d’une certaine aristocratie du rock américain qui ne fait plus recette auprès des jeunes. Comme si tous s’étaient rendus compte du besoin urgent de relancer la machine, chacun des membres contribue à l’écriture et à la composition et, incroyablement, la mayonnaise prend. C’est une conjonction de bons morceaux provenant de divers membres du groupe qui fait de ce Surf’s Up un album remarquable.

🇬🇧 Biographie (English)

Released in 1971, Surf’s Up is one of The Beach Boys' most introspective and sophisticated albums, far removed from their early sunny anthems. Driven by Brian Wilson’s sensitivity and Van Dyke Parks’ poetic lyrics, the record marks a creative shift toward more mature themes, environmental concerns, and harmonic complexity. Balancing melancholic ballads, baroque pop, and lyrical intensity, Surf’s Up proves the band could touch the soul as well as the senses.

It is commonly accepted that this monument is the last great work of the Beach Boys, and it's right! More balanced than Smiley Smile (which has a few hits like "Good Vibrations" and "Heroes And Villains'), asked more than Wild Honey (where Mike Love actually tons to revive the group) or indigestible Sunflower, this album shows a writing quality and variety in the songs than any other late Beach Boys album has. The album was released in 1971, four years after the implosion of Brian Wilson. Now stripped of surfing identity and avant-garde image, the group has also overtaken by the Woodstock generation. After 10 years of career, the group is now part of the establishment, a certain aristocracy of American rock that no longer recipe for youth. As if all had realized the urgent need to restart the machine, each member contributes to writing and composition and, incredibly, mayonnaise takes. It's a combination of good pieces from various members of the group who made this remarkable Surf's Up album.

💿 Trackliste

1. Don’t Go Near the Water

2. Long Promised Road

3. Take a Load Off Your Feet

4. Disney Girls (1957)

5. Student Demonstration Time

6. Feel Flows

7. Lookin’ at Tomorrow (A Welfare Song)

8. A Day in the Life of a Tree

9. ‘Til I Die

10. Surf’s Up

🎸 Musiciens

Carl Wilson – Guitare, chant, production
Bruce Johnston – Claviers, chant
Al Jardine – Guitare, chant
Mike Love – Chant
Brian Wilson – Claviers, chant, production
Dennis Wilson – Batterie, chant
Van Dyke Parks – Paroles de la chanson "Surf’s Up"

• Musiciens de studio divers (The Wrecking Crew)

🎧 Écoute en ligne

Vous pouvez écouter l’album complet ici :

👉 The Beach Boys – Surf's Up (1971)

🔑 Mots-clés SEO : The Beach Boys, Surf’s Up, Brian Wilson, Van Dyke Parks, rock californien, baroque pop, album 1971, Feel Flows, ‘Til I Die, rock psychédélique américain, Wrecking Crew

The Moody Blues - Days Of Future Passed (1967)

Conversion of Moody Blues is spectacular and unexpected. Before the other, the musicians are surrounded by a classical orchestra, the London Festival Orchestra, for interludes between harmonically ambitious ballads, ethereal through the use of reverberation already. Keyboards duos (Mike Pinder) and flute (Ray Thomas), vocal harmonies (the five musicians sing) and webs of mellotron, an instrument that Mike Pinder had helped develop, become the hallmark of the training. The highlight of the album concept is of course the classic Justin Hayward written when he was still nineteen years, the love song 'Nights In White Satin' long piece developed over seven minutes remains one of slows the great history of rock, fetish disk DJ's winter 1967.

La reconversion des Moody Blues est spectaculaire et inattendue. Avant les autres, les musiciens s’entourent d’un orchestre classique, le London Festival Orchestra, pour les interludes entre des ballades harmoniquement ambitieuses, éthérées grâce à l’utilisation de la réverbération déjà. Les duos claviers (Mike Pinder) et flûte (Ray Thomas), les harmonies vocales (les cinq musiciens chantent) et les nappes de mellotron, instrument que Mike Pinder avait contribué à élaborer, deviennent la marque de fabrique de la formation. Le point culminant de ce concept album est bien sûr le classique de Justin Hayward écrit quand il avait encore dix neuf ans, la chanson d’amour 'Nights In White Satin', longue pièce élaborée de plus de sept minutes qui demeure l’un des grands slows de l’histoire du rock, disque fétiche des DJ’s de l’hiver 1967.

The Moody Blues - Days Of Future Passed (LP)

1967

🎸 King Crimson - Lizard (1970)

Pochette de l'album

🎶 Biographie

Après deux albums ayant imposé son grand projet, son King Crimson, Robert Fripp fomente un album en forme de rupture, une passionnante intrusion dans un jazz progressif qui n'avait jamais été traité comme ça, Lizard. L'œuvre est imposante, sa construction précise, détaillée, précieuse et emphatique bref, avec Fripp et un line-up largement remanié, qui ne tournera jamais d'ailleurs, c'est à une création unique d'un des fondateurs du rock progressif à laquelle nous avons affaire. Indéniablement, l'influence du jazz modal de Miles Davis (Sketches of Spain en particulier) ou d'un big band progressif "à la Mingus" (The White Saint and the Sinner Lady n'est parfois pas bien loin) se fait largement sentir dans un album qui n'est pas jazz ou prog, et certainement pas fusion, mais bien jazz et prog. Parce qu'il reste des éléments du passé de la formation, via les guitares et le mellotron de Fripp, les textes souvent cryptiques et mystiques de Peter Sinfield, et, plus généralement, un goût pour les constructions périlleuses et surprenantes de ce qu'on ose à peine appeler chanson.

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🇺🇸 Biography (English

After two albums having imposed its largest project, King Crimson's Robert Fripp foments a break in album form, an exciting intrusion into a progressive jazz that had never been treated like this, Lizard. The work is impressive, its precise construction, detailed, and valuable emphatic short, with Fripp and a largely revamped line-up, which will never turn elsewhere, this is a unique creation of a founder of the progressive rock to which we are dealing. Undeniably, the influence of modal jazz of Miles Davis (Sketches of Spain in particular) or a progressive big band "on Mingus" (The White Saint and the Sinner Lady is sometimes not very far) is being widely felt in an album that is not jazz or prog, and certainly not melting, but jazz and prog. Because it remains of past training elements through the guitars and mellotron Fripp, the often cryptic and mystical texts of Peter Sinfield, and, more generally, a taste for dangerous and surprising constructions of what hardly dare call song.

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💿 Trackliste

Cirkus (including Entry of the Chameleons)

Indoor Games 

Happy Family

Lady of the Dancing Water

Lizard

a) Prince Rupert Awakes

b) Bolero – The Peacock’s Tale

c) The Battle of Glass Tears

Dawn Song

Last Skirmish

Prince Rupert’s Lament

 d) Big Top

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🎸 Musiciens

Robert Fripp : guitare électrique, guitare acoustique, Mellotron, synthétiseur EMS VCS 3
Mel Collins : saxophones, flûte
Gordon Haskell : basse, chant
Andy McCulloch : batterie, percussions
Peter Sinfield : paroles, synthétiseur EMS VCS 3, effets sonores
Keith Tippett : piano acoustique
Robin Miller : hautbois
Mark Charig : cornet
Nick Evans : trombone

• Jon Anderson : chant invité (sur "Prince Rupert Awakes")

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Vous pouvez écouter l’album complet ici :
👉 King Crimson – Lizard (1970)

🔑 Mots-clés SEO : King Crimson, Lizard, 1970, rock progressif, prog rock, jazz rock, Robert Fripp, Gordon Haskell, Jon Anderson, Keith Tippett, Mel Collins, Island Records, art rock, Peter Sinfield

 

🎸 The Move – Looking On (1970)

Pochette de l'album

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🇫🇷 Biographie (Français)

Sorti en 1970, Looking On est le troisième album du groupe britannique The Move, pionnier du rock psychédélique et du proto-punk. L’album montre une évolution vers un son plus dur et plus électrique tout en conservant la finesse mélodique et l’inventivité des arrangements. Cet opus marque aussi une étape vers la transition du groupe vers Electric Light Orchestra (ELO), dont certains membres étaient déjà impliqués.

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🇬🇧 Biography (English)

Released in 1970, Looking On is the third album by British band The Move, pioneers of psychedelic rock and proto-punk. The album reveals a move towards a harder and more electric sound while maintaining melodic finesse and inventive arrangements. This record also marks a step towards the band’s transition into Electric Light Orchestra (ELO), with some members already involved.

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💿 Trackliste

1. Looking On

2. When Alice Comes Back to the Farm

3. Brontosaurus

4. Beautiful Daughter

5. This Time Tomorrow

6. Don't Mess Me Up

7. Gonna Stop Loving You

8. Cherry Blossom Clinic

9. I Can Hear the Grass Grow

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🎸 Musiciens

• Roy Wood – Chant, guitare, basse, violon, saxophone

• Carl Wayne – Chant

• Trevor Burton – Guitare, basse, chant

• Bev Bevan – Batterie

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🎧 Écoute en ligne

Vous pouvez écouter l’album complet ici :

👉 The Move – Looking On (1970)

J. Geils Band - J. Geils Band (1970)

For the purposes of its first LP, the eponymous J.Geils Band, released in November 1970 for Atlantic Records, the group, which holds in Justman, Geils and Wolf, three players able to write, replace the repeatedly writing that he is clean. This first disc marks the spirits, even though the power it demonstrates live only be fully expressed in the studio. The evil that affect other J.Geils Band, not least, no reason to worry. It is effective and successful even if the roadmap to get there is not adorned with much originality. No fuss, no detours, it goes directly where it should touch it and touch. Should not ask for more. It's winner.

Pour les besoins de son premier LP, l’éponyme J.Geils Band, publié en novembre 1970 pour Atlantic Records, le groupe, qui tient en Justman, Wolf et Geils, trois acteurs capables d’écrire, substitue aux reprises une écriture qui lui est propre. Ce premier disque marque les esprits, même si la puissance qu’il démontre en live peine à donner sa pleine mesure en studio. Le mal en affectera d’autres que J.Geils Band, et non des moindres, aucune raison de s’inquiéter. Il est efficace et réussi même si la feuille de route pour y parvenir ne se pare pas de beaucoup d’originalité. Sans tralalas, ni détours, ça va direct là où ça doit toucher et ça touche. Faut pas lui en demander plus. C’est gagnant.

J. Geils Band - J. Geils Band (LP)

1970

Chris Robinson Brotherhood - Big Moon Ritual (2012)

Although he returned to an electric sound, not sound like Croweology, the album on which the Black Crowes have announced a break for an indefinite period, Chris Robinson and his community, The Chris Robinson Brotherhood, back still tickle our ears with typical 70's rhythms directly from the legacy American psychedelic rock. As we remember where we put the ears, and in the tradition of the genre, titrate the seven that make up Big Moon Ritual exceed, without exception, the seven minutes. It is even be around twelve minutes for the first title, 'Tulsa Yesterday', which leaves the side of a groovy blues without forgetting the necessary detours into psychedelia that is the hallmark of the album. By the second song, 'Rosalee' soft funk redolent zinc and cold beer, we leave to other lands always tinged psychedelic rock. And even though the genre has already been more than adequately cleared, explored and revisited, it remains undeniable that Chris Robinson and his new acolytes not only the culture but the talent enough to enable them to excel in the field.

Bien qu’il soit revenu à un son électrique, et non plus acoustique comme sur Croweology, l’album sur lequel les Black Crowes avaient annoncé faire une pause d’une durée indéterminée, Chris Robinson et sa communauté, The Chris Robinson Brotherhood, reviennent tout de même nous chatouiller les oreilles avec des rythmes typiquement 70’s, issus directement de l’héritage rock psychédélique américain. Comme pour nous rappeler où l’on met les oreilles, et dans la plus pure tradition du genre, les sept titrent qui composent Big Moon Ritual dépassent, sans exception, les sept minutes. On va même jusqu’à avoisiner les douze minutes pour le premier titre, 'Tulsa Yesterday', qui part du côté d’un blues groovy sans oublier les détours indispensables vers le psychédélique qui constitue la marque de fabrique de l’album. Dès le deuxième morceau, 'Rosalee', doux funk qui fleure bon le zinc et la bière fraîche, on part vers d’autres contrées toujours teintées de rock psychédélique.
Et même si le genre a déjà été plus que largement défriché, exploré et revisité, il reste indéniable que Chris Robinson et ses nouveaux acolytes ont non seulement la culture, mais le talent suffisant pour leur permettre d’exceller en la matière.

Chris Robinson Brotherhood - Big Moon Ritual (LP)

2012

🎸 Crosby, Stills & Nash - CSN (1977)

Pochette de l'album

🇺🇸 Biography (English)

In 1977, after several years of separation, the trio Crosby, Stills & Nash brings us a gem. Stills had Manassas, Crosby and Nash had engaged in personal projects with varying degrees of success. CSN is, and only the second LP of this training three mythical. But what an album! A gem, do not mince words. CSN is packed with wonderful songs for a disc of great musical quality. The acoustic and electric mix is ​​tasty. This is truly a marvel of folk-rock LP in which everyone has his share. Crosby stake of his compositions: 'Shadow Captain' (co-signing with Craig Doerge), the title starts from the album, 'Anything At All' and 'In My Dreams'. Stills gives us his magnificent 'Dark Star', 'Fair Game', the superb acoustics as what 'See The Changes', 'Run From tears' and the final song 'I Give You Give Blind'. Nash is not standing still and brings a sublime to the building with CSN 'Cathedral' (a title that I consider one of the greatest ever heard), 'Carried Away', 'Cold Rain' and the huge ' Just A Song Before I Go '. Softness, calm, vocal harmonies unlike any other, hushed folk ambiance, variety ... and certainly, this disc enhanced by the presence of a prestigious line-up is to be counted among the best productions of the time.

🇫🇷 Biographie (Français)

En 1977, après quelques années de séparation, le trio Crosby, Stills & Nash nous livre ici un bijou.  Stills avait Manassas, Crosby et Nash s'étaient lancés dans des projets personnels avec plus ou moins de succès. CSN est donc, et seulement, le deuxième LP de cette formation à trois mythique. Mais quel album ! Un petit bijou, n'ayons pas peur des mots. CSN est un concentré de chansons merveilleuses pour un disque d'une grande qualité musicale. Le mélange acoustique et électrique est savoureux. C'est vraiment une merveille de LP folk-rock dans lequel chacun y va de son écot. Crosby y va de ses compositions : 'Shadow Captain' (en co-signature avec Craig Doerge), le titre d'entame de l'album, 'Anything At All' et 'In My Dreams'. Stills nous livre ses magnifiques 'Dark Star', 'Fair Game', le superbe titre acoustique qu'est 'See The Changes', 'Run From tears' et le morceau final 'I Give You Give Blind'. Nash n'est pas en reste et apporte une sublime pierre à l'édifice CSN avec 'Cathedral' (un titre que je considère comme un des plus grands jamais entendus), 'Carried Away', 'Cold Rain' et l'énorme 'Just A Song Before I Go'. Douceur, calme, harmonies vocales à nulles autres pareilles, ambiance folk feutrée, variété...sans conteste, ce disque, rehaussé par la présence d'un line-up prestigieux est à ranger parmi les meilleures productions de l'époque.

Tracks :

Side one :

1.   Shadow Captain

2.   See the Changes

3.   Carried Away

4.   Fair Game

5.   Anything At All

6.   Cathedral

Side two :

1.   Dark Star

2.   Just a Song Before I Go

3.   Run from Tears

4.   Cold Rain

5.   In My Dreams

6.   I Give You Give Blind

🎸 Musiciens

• David Crosby : chant, guitare

• Stephen Stills : chant, guitare, basse, claviers, percussions

• Graham Nash : chant, guitare, piano, harmonica

Avec la participation de :

• Craig Doerge : claviers, synthétiseur, piano

• Mike Finnigan : orgue, piano, chœurs

• Joe Vitale : batterie, percussions, flûte

• Russ Kunkel : batterie

• Harvey Mason : batterie

• Timothy B. Schmit : basse, chœurs

• Gerald Johnson : basse

• George "Chocolate" Perry : basse

• Leah Kunkel : chœurs

• Veneita Fields : chœurs

• Lani Groves : chœurs

• James Taylor : guitare acoustique et chœurs sur "Shadow Captain"

• Carole King : piano électrique 

Enjoy Music :

🎧 Écoute en ligne

Vous pouvez écouter l’album complet ici :

👉 Crosby, Stills & Nash - CSN (1977)

The Dirtbombs - Ooey Gooey Chewy Ka-blooey! (2013)

The Dirtbombs promised to release a pop album Bubblegum. It's done ! One would expect a group album of covers such as 1910 Fruitgum Company or Archies, but the singer Mike Collins wrote 10 new songs that pay homage to the style popularized in the late 60, early 70. Dirtbombs is sweeter, more pop rock than the previous, with tunes from Josie & the Pussycats or to the Banana Splits with childish themes and choruses at all costs. But the similarity ends there and the many guest musicians (unheard on an album of Dirtbombs). While the bubble gum music consisted of a prod in a hurry with studio musicians in single file and lyricists engaged for the occasion, Ooey Gooey Chewy Ka-blooey is the result of an album built, worked and reworked for almost two years.

Les Dirtbombs avait promis de sortir un album de Bubblegum pop. C'est fait !
On aurait pu s’attendre à un album de reprises de groupes tels que 1910 Fruitgum Company ou des Archies, mais le chanteur Mike Collins a écrit 10 nouvelles chansons qui rendent hommage au style popularisé à la fin des années 60, début 70. Ce Dirtbombs est plus sucré, plus pop rock que les précédents, avec des airs de Josie & the Pussycats ou encore de the Banana Splits avec thèmes enfantins et choeurs à tout va. Mais la ressemblance s’arrête là et à la multiplicité des musiciens invités (du jamais vu sur un album de Dirtbombs). Alors que la musique bubble gum consistait en une prod à la va vite avec des musiciens studios en file indienne et des paroliers engagés pour l’occasion, Ooey Gooey Chewy Ka-Blooey est le fruit d’un album construit, travaillé et retravaillé pendant presque deux ans.

The Dirtbombs -Ooey Gooey ChewyKa-blooey! (LP)

2013

🎸 Neil Young - Everybody Knows This Is Nowhere (1970)

Pochette de l'album

🇺🇸 Biography (English)

Not only this second album of Neil Young marks an artistic mutation (almost) total compared to the first, but also in relation to the parallel career he has with Crosby, Stills, Nash & Young, recalling the most violent moments of his work with Buffalo Springfield. Aside from the delicate 'Round & Round' and the country 'The Losing End' and 'Running Dry', the rest is a saturated guitar fireworks and tortured he alone has the secret and built for rock scenes. It is accompanied by a rhythm trio re-named Crazy Horse (the name of the Oglala Sioux chief) it will use here and there throughout his solo career, and his singing suddenly matured. The quintet makes justice and three more flamboyant Neil Young songs, flowing and powerful, different from the other (Neil Young, despite songs Therefore directory, has rarely repeated), complex melodies and exciting fields: 'Cinnamon Girl' (sang with falsetto with rhythm guitarist Danny Whitten), 'Down by the River' and the beautiful 'Cowgirl in the Sand' which closes the album.

🇫🇷 Biographie (Français)

Non seulement ce deuxième album de Neil Young marque une mutation artistique (presque) totale en comparaison de son premier, mais aussi par rapport à la carrière parallèle qu’il entretient avec Crosby, Stills & Nash, rappelant les moments les plus violents de son travail avec Buffalo Springfield.

Mis à part le délicat 'Round & Round' et les country 'The Losing End' et 'Running Dry', le reste est un feu d’artifice de guitare saturée et torturée dont il a seul le secret et taillé pour les scènes rock. Il y est accompagné par un trio rythmique re-baptisé Crazy Horse (du nom du chef Sioux Oglala) qu’il utilisera ici et là tout au long de sa carrière solo, et son chant a mûri soudainement. Le quintette rend ainsi justice à trois des plus flamboyantes chansons de Neil Young, coulantes et puissantes, différentes l’une de l’autre (Neil Young, malgré un répertoire de chansons conséquent, s’est rarement répété), aux mélodies complexes et aux trames passionnantes : 'Cinnamon Girl' (chanté avec voix de fausset avec le guitariste rythmique Danny Whitten), 'Down By The River' et le superbe 'Cowgirl In The Sand' qui clôt l’album.

Tracks :

Side one :

A1. Cinnamon Girl 2:58

A2. Everybody Knows This Is Nowhere 2:26

A3. Round & Round (It Won't Be Long)    5:49

A4. Down By The River 9:13

Side two :

B1. The Losing End (When You're On) 4:03

B2. Running Dry (Requiem For The Rockets)   5:30

B3. Cowgirl In The Sand 10:03

Line-up :

Bass – Billy Talbot

Drums – Ralph Molina

Engineer – David Briggs

Guitars – Danny Whitten, Neil Young

Enjoy Music :

🎧 Écoute en ligne

Vous pouvez écouter l’album complet ici :

👉 Neil Young - Everybody Knows This Is Nowhere (1970)

🔑 Mots-clés SEO : Neil Young, Crazy Horse, 1969, Everybody Knows This Is Nowhere, Cinnamon Girl, Down by the River, Cowgirl in the Sand, folk rock, rock psychédélique, rock électrique, country rock, rock américain, classic rock.

Neil Young

Egg - Egg (1970)

Dave Stewart (not to be confused with Dave A. Stewart Eurythmics) is an eminence of the Canterbury scene. In 1967, he formed with his school friend Steve Hillage Uriel group, which takes its name from Egg after the departure of Hillage. Less spectacular Emerson, Lake And Palmer, the group is quite the same caliber, but not really necessary. Stewart will, shortly after, the keyboard of two other historic groups: Hatfield and the North and National Health.

Dave Stewart (à ne pas confondre avec Dave A. Stewart d'Eurythmics) est une éminence de la "scène de Canterbury". En 1967, il forme avec son copain d'école Steve Hillage le groupe Uriel, qui prend le nom de Egg après le départ d'Hillage. Moins spectaculaire qu'Emerson, Lake And Palmer, le groupe est tout à fait du même calibre, mais ne s'impose pas vraiment. Stewart sera, peu de temps après, le clavier de deux autres groupes historiques : Hatfield and the North et National Health.

Egg - Egg (LP)

1970

🎸 Tomorrow – Tomorrow (1968)

Pochette de l’album

🇫🇷 Biographie

Tomorrow est un groupe britannique de rock psychédélique formé à la fin des années 1960, connu pour son son psyché avant-gardiste et ses mélodies accrocheuses. Leur album éponyme sorti en 1968 est un classique du genre, mêlant des influences de folk, pop psychédélique et rock expérimental. Avec des compositions inventives et une ambiance souvent éthérée, cet album capture l’esprit psychédélique londonien de la fin des années 60, tout en anticipant les développements futurs du rock psychédélique et progressif.

🇺🇸 Biography

Tomorrow was a British psychedelic rock band formed in the late 1960s, recognized for their avant-garde psych sound and catchy melodies. Their self-titled 1968 album is a classic of the genre, blending folk influences, psychedelic pop, and experimental rock. Featuring inventive compositions and an often ethereal atmosphere, this album encapsulates the London psychedelic scene of the late 60s while anticipating the future developments of psychedelic and progressive rock.

💿 Trackliste

1. My White Bicycle (0:00)

2. Real Life Permanent Dream (3:15)

3. Three Jolly Little Dwarfs (6:40)

4. The Incredible Journey of Timothy Chase (9:55)

5. Revolution (13:10)

6. Claramount Lake (15:50)

7. Colonel Brown (19:00)

8. Now Your Time Has Come (22:25)

9. Reprise (25:30)

10. Hallucinations (26:45)

🎸 Musiciens

• Keith West – Chant 🎤

• Steve Howe – Guitare 🎸

• Twink (John Charles Alder) – Batterie 🥁

• Junior – Basse 🎸

🎧 Écoute en ligne

Vous pouvez écouter l’album complet ici :

👉 Tomorrow – Tomorrow – 1968

🔑 Mots-clés SEO
Tomorrow, Tomorrow 1968, rock psychédélique britannique, album psychédélique, Keith West, Steve Howe, rock expérimental, London psychedelic scene, psyché 60s, rock progressif, classique psychédélique