Born Again - Born Again Pagan (1972)

Here's a great album of heavy Blues which was never distributed before 2005. The singer Brice Sullivan and guitarist Larry Otis delivers a whole album of great quality songs in the style Hard, Heavy, Bluesy rock. Some of the tracks are based on piano accompanied by electric guitar. An excellent mixing and a good listener throughout !! From what I understand, the tracks presented here date from 1969 through 1972. Highly recommended for fans of hard rock blues 70s. Definitely a hidden gem for fans of the genre ...

Voici un grand album de heavy Blues qui n'a jamais été distribué avant 2005. Le chanteur Brice Sullivan et le guitariste Larry Otis délivre tout un album de grandes chansons de qualité dans le style Hard, Heavy, Bluesy rock . Quelques-unes des pistes sont à base de piano  accompagnées de guitare électrique . Un excellent mixage et une bonne écoute tout au long !! D'après ce que je comprends , les pistes présentées ici la date à partir de 1969 à travers 1972. Fortement recommandé pour les fans de blues hard rock des années 70 . Certainement un petit bijou caché pour les amateurs du genre ...

Born Again - Pagan (LP)

1972

Thundermother - No Red Rowan (1971)

With its monumental riffs and psychedelic sounds, this little gem will make you happy as long as you're already completely lost in the dark maze of the era heavy psych-rock of the 70's.There is no reliable information on the history and what Thundermother No Red Rowan will be their only album. He seems to have been recorded in Wakefield in one weekend by a band of studio musicians of the young Holyground label created in July 1966. Sailing between Rock muscular psychedelic (The People Show), Folk bluesy (Woman) and majestic distortions, the listener will even have to cross a "Coke version" of Boogie Music track, something with a completely barred mix that gives some keys to understanding the mindset of the group.

Avec ses riffs monumentaux et ses sons psychédéliques, ce petit bijou fera votre bonheur pour peu que vous vous soyez déjà complètement perdu dans les méandres obscures de l’ère heavy psych-rock des 70’s. Il n’existe pas d’informations fiables sur l’histoire de Thundermother et sur ce No Red Rowan qui sera leur unique album. Il semblerait qu’il ait été enregistré à Wakefield en un weekend par une bande de musiciens du studio du jeune label Holyground créé en juillet 1966. Naviguant entre rock psychédélique musclé (The People Show), folk bluesy (Woman) et distorsions majestueuses, l’auditeur sera même amené à croiser une Coke Version de la piste 'Boogie Music', un truc avec un mixage complétement barré qui donne quelques clés de compréhension de l’état d’esprit du groupe.

Thundermother - No Red Rowan (LP)

1971

Janis Joplin - I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama! (1969)

I Got Dem Ol 'Kozmic Blues Again Mama! is the first studio album of Janis Joplin, released September 11, 1969. The album was recorded after the separation of Janis Joplin and Big Brother and the Holding Company. Regularly ignored when discussing the career of Janis Joplin I Got Dem Ol 'Kozmic Blues Again Mama! is like the black sheep of the singer. Not that it is really bad, the songs are mostly good titles soul / rythm'n'blues, Janis sings his guts and his hoarse voice does wonders. The problem I Got Dem Ol 'Kozmic Blues Again Mama! is nothing but a problem of musical direction. 
End of 1968, Janis left Big Brother & The Holding Company, the group whose excellent Cheap Thrills owed much to the talent of the singer. And in early 1969, she dreams in great soul priestess. The idea is not silly, his rough patch and intonations southerners (it is Texan origin) ooze delta blues and with the help of some brass arrangements, it can be imagined in the artist line Stax. So she gets the Kozmic Blues Band, not forgetting to include an organ there, brass, brief a group of typical soul. It can therefore enter the studio to embody its new avatar.
Of course, given the anonymity of this album, you've probably realized that the result is not up to the expectations of the singer. Wedged between Cheap Thrills, great album of good rock band accompanied by an excellent singer and Pearl solo album completely focused on his voice, I Got Dem Ol 'Kozmic Blues Again Mama! does not do justice to Janis Joplin. She may scream out this kind of hoarse feulement, brass arrangements are too present, stifling, even for her. From Try (Just A Little Bit Harder), brass cover his voice on the chorus. In wanting overstate the soul side, she served. It is also obvious on Kozmic Blues while the first part of the song where it is accompanied by only a simple piano-drums duo is beautiful, the arrival of the organ and brass blurs his voice and removes any emotion to his singing drowned in noise.

I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama! est le premier album studio de Janis Joplin, sorti le 11 septembre 1969. Cet album été enregistré après la séparation de Janis Joplin et de Big Brother and the Holding Company.

Régulièrement passé sous silence lorsqu’on évoque la carrière de Janis Joplin, I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama! est un peu la brebis galeuse de la chanteuse. Non pas qu’il soit vraiment mauvais, les chansons sont pour la plupart de bons titres de soul/rythm’n’blues, Janis chante avec ses tripes et sa voix éraillée fait des merveilles. Le problème de I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama ! n’est rien d’autre qu’un problème d’orientation musicale.
Fin 1968, Janis a quitté Big Brother & The Holding Company, le groupe dont l’excellent Cheap Thrills devait beaucoup au talent de la chanteuse. Et en ce début 1969, elle se rêve en grande prêtresse soul. L’idée n’est pas idiote, son timbre rugueux et ses intonations sudistes (elle est d’origine texane) suintent le blues du delta et avec l’aide de quelques arrangements de cuivres, elle peut s’imaginer dans la lignée des artistes Stax. Elle monte donc le Kozmic Blues Band, en n’oubliant pas d’y incorporer un orgue, des cuivres, bref un groupe de soul typique. Elle peut donc entrer en studio pour incarner son nouvel avatar.
Bien sûr, étant donné l’anonymat de cet album, vous avez sans doute déjà compris que le résultat n’est pas à la hauteur des attentes de la chanteuse. Coincé entre Cheap Thrills, excellent album d’un bon groupe de rock accompagné d’une excellente chanteuse et Pearl, album solo totalement centré sur sa voix, I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama ! ne rend pas justice à Janis Joplin. Elle a beau hurler, sortir cet espèce de feulement rauque, les arrangements de cuivres sont bien trop présents, étouffants, même pour elle. Dès Try (Just A Little Bit Harder), les cuivres couvrent sa voix sur les refrains. À vouloir trop insister sur le côté soul, elle s’est desservie. C’est également flagrant sur Kozmic Blues alors que la première partie de la chanson où elle n’est accompagnée que d’un simple duo piano-batterie est magnifique, l’arrivée de l’orgue et des cuivres brouille sa voix et ôte toute émotion à son chant noyé dans le bruit.

Janis Joplin - I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama! (LP)

1969

Beth Hart & Joe Bonamassa - Don't Explain (2011)

Beth Hart is a singer who, admittedly, would not have much to envy to the late Amy Winehouse. Indeed, it has, vocally, what might be called a gift. An extraordinary voice she uses in a predominantly bluesy register. Which, like others before it, has led him to be compared to the great Janis Joplin. Moreover, it is in this role that Beth Hart participated in Broadway, at the end of ninety years, a musical dedicated to young hippie too soon gone. Since 1996, with her group, she has made some albums, and has collaborated with Slash (ex-Guns N 'Roses, Velvet Revolver) or the prodigious Joe Bonamassa for two songs on the album Dust Bowl released in 2011. their first collaboration with very well, Beth Hart and Joe Bonamassa had said that they would one day give their respective schedule to achieve a record together. The result Do not Explain, is not explained, he listens ...

Beth Hart est une chanteuse qui, il faut l’avouer, n’aurait pas grand chose à envier à feue Amy Winehouse. En effet, elle a, au niveau vocal, ce que l’on pourrait appeler un don. Une voix extraordinaire qu’elle utilise dans un registre principalement bluesy. Ce qui, comme d’autres avant elle, l’a amené à être comparée à la grande Janis Joplin. C’est d’ailleurs dans ce rôle que Beth Hart a participé à Broadway, à la fin des années quatre-vingt dix, à une comédie musicale consacrée à la jeune hippie trop tôt disparue. Depuis 1996, avec son groupe, elle a réalisé quelques albums, et a notamment collaboré avec Slash (ex-Guns’n’Roses, Velvet Revolver) ou encore le prodigieux Joe Bonamassa pour deux titres sur l’album Dust bowl sorti en 2011. Leur première collaboration ayant très bien fonctionné, Beth Hart et Joe Bonamassa s’étaient dit qu’il leur faudrait un jour accorder leur calendrier respectif afin de réaliser un disque en commun.

Le résultat, ce Don't Explain, ne s'explique pas, il s'écoute ...

Beth Hart & Joe Bonamassa - Don't Explain (LP)

2011

Barry White - All-Time Greatest Hits

Born in Galveston, Texas, a single mother, Barry White grew up in the suburbs of L.A. and becomes a gang member in his teens. At 17, he was sentenced to four months in prison for stealing 300 tires a Cadillac dealer with a value of 30,000 dollars. It was in prison in 1960 and listening to the radio tube Elvis Presley 'It's Now or Never' (It's now or never), he becomes aware of the bad turn of his life and the absurdity of his incarceration. This song has such an impact that wish to give a different meaning to his existence, especially in deciding that it would do something positive in his life and would be dedicated to music. He learned the piano with his mother and released her first album in sixteen years. After recording for several independent labels he founded the soul band 'Love Unlimited' where he mainly performs keyboards and orchestration. This is the beginning of a huge success. If the instrumental track 'Love's theme' sells several million copies, is when he sings the sensuality of his songs reached its climax. The tubes like 'I'm gonna love you just a little more', 'Let the music play' or 'Playing your game, Baby' are played everywhere. The bass voice of the colossus, his daring texts and both elegant, do give thanks to love, carnal and unrestrained ..

Né à Gavelston , au Texas d'une mère célibataire, Barry White grandit dans la banlieue de L.A. et devient membre d'un gang durant son adolescence. À 17 ans, il est condamné à quatre mois de prison pour le vol de 300 pneus d'un concessionnaire Cadillac  d'une valeur de 30 000 dollars. C'est en prison en 1960  et en écoutant à la radio le tube d'Elvis Presley 'It's Now or Never' ( C'est maintenant ou jamais), qu'il prend conscience de la mauvaise tournure de sa vie et de l'absurdité de son incarcération. Cette chanson a un tel impact qu'il souhaitera donner un tout autre sens à son existence, en décidant notamment qu'il ferait quelque chose de positif dans sa vie et se consacrerait à la musique. Il apprend le piano avec sa mère et sort un premier album à seize ans. Après avoir enregistré pour plusieurs labels indépendants, il fonde le groupe de soul 'Love Unlimited' où il réalise surtout les claviers et l'orchestration. C'est le début d'un immense succès.

Si le morceau instrumental 'Love's theme' se vend à plusieurs millions d'exemplaires, c'est lorsqu'il chante que la sensualité de ses morceaux atteint son paroxysme. Les tubes comme 'I'm gonna love you just a little more', 'Let the music play' ou 'Playing your game, Baby' sont joués partout. La voix de basse du colosse, ses textes osés et à la fois élégants, ne rendent grâce qu'à l'amour, charnel et sans retenue.

Barry White - All-Time Greatest Hits

(195 tracks)

Joss Stone - Body Mind And Soul (2004)

Hard to believe, to listen, Joss Stone has just 17. His voice, sensual and serious, his sense of rhythm and his devilishly seductive growls are not those of a teenager. The tall blonde, between Shakira and Diana Krall physically, would fall rather on the side of Alicia Keys for her music. The two women share an undeniable sense of melody, recycling of soul and funk mixed with R'n'B, and cultivate a slight retro feel. Joss Stone wrote itself eleven of the fourteen tracks of Mind, body and soul, which demonstrated eclecticism while maintaining consistency. Between dancing very Snakes and ladders, the lament soul Right to be wrong, soul-rock ballad Killing time and funky and very effective You Had Me, Joss Stone walks his languid tone, sensual and stormy turn. 

This album takes time to install his moods, and leaves a significant share instrument. Admittedly, Joss Stone knows to surround himself. At his side including Nile Rodgers, guitarist disco group CHIC and black diva Angie Stone. All evidence and guarantees the quality of the music of Joss Stone. Mind, body and soul should seduce the most demanding.Difficile de croire, à l’écouter, que Joss Stone a à peine 17 ans. Sa voix, sensuelle et grave, son sens du rythme et ses feulements diablement séducteurs ne sont pas ceux d’une ado. Cette grande blonde, entre Shakira et Diana Krall physiquement, se situerait bien plutôt du côté d’Alicia Keys pour sa musique. Les deux jeunes femmes partagent un sens indéniable de la mélodie, du recyclage de la soul et du funk mêlé au R’n’B, et cultivent un léger côté rétro.
Joss Stone a écrit elle-même onze des quatorze titres de Mind, body and soul, qui fait preuve d’éclectisme, tout en gardant une certaine cohérence. Entre le très dansant Snakes and ladders, la complainte soul Right to be wrong, la ballade soul-rock Killing time et le funky et redoutablement efficace You had me, Joss Stone promène son timbre alangui, sensuel et tempétueux tour à tour.
Cet album prend le temps d’installer ses ambiances, et laisse une part appréciable aux instruments. Il faut dire que Joss Stone sait s’entourer. A ses côtés notamment Nile Rodgers, guitariste du groupe disco CHIC et la diva black Angie Stone. Autant de preuves et de garanties de la qualité de la musique de Joss Stone. Mind, body and soul devrait séduire les plus exigeants.

Joss Stone - Mind, Body And Soul (LP)

2004

Susan Tedeschi - Hope And Desire (2005)

Susan Tedeschi abandons his guitar a little for the benefit of his voice and we will not complain becaufe is rather nice voice finally ... Hope and desire is his new album. An album in which Susan and makes twelve times that she has selected as high: Blues, R & B, Gospel (in which she bathed younger), rock and folk, we must admit that Miss Tedeschi pretty sure ... especially since the whole is rather well arranged by Joe Henry, my eardrums hair still shudder ... 'Hope and desire' thus ballad between Stevie Wonder, Dylan, the Stones, Otis Redding, Ray Charles or Aretha Franklin, and for a ballad that s a very pretty ballad ...

Susan Tedeschi délaisse un petit peu sa guitare au bénéfice de sa voix et on ne va pas s'en plaindre parcequ'elle est plutot jolie cette voix finalement... "Hope and desire" c'est son nouvel album. Un album dans lequel Susan enchaine ainsi douze reprises qu'elle a sélectionné comme une grande : blues, R&B, gospel (dans lequel elle a baigné plus jeune), rock et folk, il faut bien admettre que miss Tedeschi assure pas mal... D'autant que l'ensemble est plutot très bien arrangé par Joe Henry, mes poils de tympans en frissonnent encore...
"Hope and desire" se ballade ainsi entre Stevie Wonder, Dylan, les Stones, Otis Redding, Ray Charles ou encore Aretha Franklin, et pour une ballade c'est une sacrée jolie ballade...

Susan Tedeschi - Hope And desire (LP)

2005

Canned Heat - Future Blues (1970)

Difficult to start better than Sugar Bee, as full of life, which owes much to the crazy harmonica Al Wilson without giving a common energy measure this little gem. Al Wilson offers pleasing Shake It And Break It, which assesses the incisive style of Harvey Mandel. The sound of Mandel looks a little more of the heavy side as blues roots. Can be seen on the resumption That's All Right Mama which is brought on a very good mid-tempo ensuring sticky and heavy atmosphere, before the solo Mandel bends the case. The group is not resting on its laurels and is constantly striving to create new sounds, new atmospheres. This is the case with Skat, which seems straight out of a music hall 40s, a kind of mixture of blues and rockabilly. A unique title quaint. Let's Work Together, meanwhile, is another tube to make the assets of Canned Heat. This is a cover yet we would not say it for a second, this always pop efficacy in the treatment of the songs. Future Blues is also comprised of securities of the genre, rather short, concise, which go mostly with delight. The major digressions, moments where the band indulges, will first go to London Blues, which has an introduction to die with a muffled sound like the blues recordings of the 20's, before leaving on a boogie slow blues piano (played by Dr. John) recalled that moment by Chicken Shack, including intonation that takes Al Wilson. The last piece, aptly named Future Blues, revives a shorter and more efficient format. It jumped all sides, boogie everywhere, it makes you want to move, it's super charming and concluded it perfectly this album on which, again, nothing to throw.

Even at the dawn of the 70s, Canned Heat seems to keep his energy, know-how, in short its relevance. Finally it is a tragic event that will undermine the continuity of the group. Al Wilson, who sings here the premonitory My Time Is not Long, was found dead on 3 September 1970 in his sleeping bag near Topanga, apparently the victim of an overdose of barbiturates. After Brian Jones and before Jimi Hendrix, Janis Joplin and Jim Morrison (for main), one more name to add to the list of many losses of sixties rock (and also was 27). Along with these now famous legends, the death of Al Wilson created an upheaval in the era of rock community, ie his popularity and that of Canned Heat. Future Blues will be the last true studio album Canned Heat on starring Al Wilson.

Difficile de mieux commencer qu'avec Sugar Bee, titre plein de vie, qui doit beaucoup à l'harmonica déjanté d'Al Wilson qui donne une énergie sans commune mesure à ce petit bijou. Al Wilson s'offre le réjouissant Shake It And Break It, qui permet d'apprécier le style incisif d'Harvey Mandel. Le son de Mandel penche un peu plus du côté heavy que du blues roots. On peut le constater sur la reprise That's All Right Mama qui est amenée sur un très bon mid-tempo assurant une atmosphère poisseuse et lourde, avant que le solo de Mandel plie l'affaire.
Le groupe ne se repose pas sur ses lauriers et cherche constamment à créer de nouveaux sons, de nouvelles ambiances. C'est le cas avec Skat, qui semble tout droit sorti d'un music-hall des années 40, une sorte de mélange de blues et de rockabilly. Un titre unique au charme désuet. Let's Work Together, quant à lui, est un autre tube à mettre à l'actif de Canned Heat. C'est une reprise pourtant on ne le dirait pas une seule seconde,  toujours cette efficacité pop dans le traitement des chansons. Future Blues est d'ailleurs composé de titres du genre, plutôt courts, concis, qui vont à l'essentiel avec grand bonheur. Les principales digressions, les moments où le groupe se laisse aller, se passent tout d'abord sur London Blues, qui possède une introduction à tomber par terre avec un son étouffé ressemblant aux enregistrements de blues des années 20, avant de partir sur un boogie blues lent au piano (joué par Dr. John) qui rappele par instant Chicken Shack, notamment par les intonations que prend Al Wilson. Le dernier morceau, le bien nommé Future Blues, renoue avec un format plus court et plus efficace. Ca bondit de tous les côtés, du boogie de partout, ça donne envie de bouger, c'est super charmant et ça conclue à merveille cet album sur lequel, une nouvelle fois, rien n'est à jeter.

Même à l'aube des années 70, Canned Heat semble garder son énergie, son savoir-faire, bref toute sa pertinence. Finalement c'est un évènement tragique qui va mettre à mal la continuité du groupe. Al Wilson, qui chante ici le prémonitoire My Time Ain't Long, est retrouvé mort le 3 septembre 1970, dans son sac de couchage près de Topanga Canyon, apparemment victime d'une overdose de barbituriques. Après Brian Jones et avant Jimi Hendrix, Janis Joplin et Jim Morrison (pour les principaux), un nom de plus à rajouter à la liste des nombreuses pertes du rock sixties (et lui aussi avait 27 ans). Au même titre que ces désormais illustres légendes, la mort d'Al Wilson créa un bouleversement dans la communauté rock de l'époque, c'est dire sa popularité et celle de Canned Heat. Future Blues est ainsi le dernier véritable album studio de Canned Heat sur lequel joue Al Wilson.

Canned heat - Future Blues (LP)

1970

Canned Heat - Vintage (1970)

Canned Heat's origins are in a community of blues record collectors, who met for several years in the home of Bob Hite to exchange their findings. In 1965, several regulars decided to form a jug band, which includes two future members of Canned Heat, Bob Hite and Alan Wilson. They were soon joined by guitarist Henry Vestine, freshly excluded Mothers of Invention Frank Zappa to inadvertent drug use, then by drummer Frank Cook, a young veteran who notably played the stars of sides of jazz such as Charlie Haden and Chet Baker. Hired by producer Johnny Otis, in 1966 the band recorded their first album, which will come out in 1970, once gained fame under the title Vintage. The disc contains mostly covers of blues standards, including Rollin 'and Tumblin', Spoonful Willie Dixon Louise and John Lee Hooker. Their bassist Stuart Brotman, who left the group to indulge in world music (especially he accompanied a belly dancer and then formed the Kaleidoscope Group), the Group draws alternately several musicians before securing his choice in March 1967 on Larry Taylor.

Les origines de Canned Heat se trouvent dans une communauté de collectionneurs de disques de blues, qui se réunissaient depuis plusieurs années dans la maison de Bob Hite pour y échanger leurs trouvailles. En 1965, plusieurs habitués du lieu décident de former un jug band, qui comprend notamment deux futurs membres de Canned Heat, Bob Hite et Alan Wilson. Ils sont bientôt rejoints par le guitariste Henry Vestine, fraîchement exclu des Mothers of Invention de Frank Zappa pour usage de drogue intempestif, puis par le batteur Frank Cook, jeune vétéran ayant notamment joué aux côtés de stars du jazz comme Charlie Haden ou Chet Baker.

Embauché par le producteur Johnny Otis, le groupe enregistre en 1966 un premier album, qui ne sortira qu'en 1970, une fois la célébrité acquise, sous le titre Vintage. Le disque contient essentiellement des reprises de standards du blues, parmi lesquels Rollin' and Tumblin', Spoonful de Willie Dixon et Louise de John Lee Hooker. Leur bassiste, Stuart Brotman, ayant quitté le groupe pour s'adonner à la World Music (il accompagna notamment une danseuse du ventre, puis forma le groupe Kaleidoscope), le groupe intègre tour à tour plusieurs musiciens avant de fixer son choix en mars 1967 sur Larry Taylor.

Canned Heat - Vintage (LP)

1970

Red Dirt - Red Dirt (1970)

Red Dirt is a group of Heavy Blues formed around 1968, and which traced its groove in the clubs of northern England. Their first and only album was released in 1970 on the Fontana label and Rock legend wants that it is sold in a hundred copies. So we are dealing with a kind of rock the ghost ship brought to the surface by the magic of the Net and backed by a big score in the mid vinyl collectors. Nothing exceptional well in the group's history, a meeting between musicians as there have been hundreds during this blessed period of the early 70's. It simply noted that Richardson had had the opportunity to cross paths with Mick Ronson, who will be the most famous musician quoted in this column modest. .... And until the appearance of Paul McCartney who was honored to record his first solo album in Morgan Studios in London, smack bang in the Red Dirt sessions.

Red Dirt est un groupe de Heavy Blues formé vers 1968, et qui a tracé son sillon dans les clubs du nord de l'Angleterre. Leur premier et seul album est publié en 1970 sur le label Fontana et la légende du Rock veut qu'il ne s'en soit vendu qu'une centaine d'exemplaires.
On a donc affaire à une sorte de vaisseau fantôme du Rock remonté à la surface par la magie du Net et soutenu par une grosse cote dans le milieu des collectionneurs de vinyls.
Rien de bien exceptionnel dans l'histoire du groupe, une rencontre entre musiciens comme il y en a eu des centaines pendant cette période bénie du début des 70's. On notera simplement que Richardson avait eu l'occasion de croiser la route de Mick Ronson, qui sera donc le musicien le plus connu cité dans cette modeste chronique.
....Et ce jusqu'à l'apparition de Paul Mc Cartney qui a eu l'honneur d'enregistrer son premier album solo dans les studios Morgan à Londres, pile poil pendant les sessions de Red Dirt.

Red Dirt - Red Dirt (LP)

1970

Sitting Bull - Trip Away (1971)

These four musicians of Bremen (Northern Germany) play here with a very touched US Westcoast in some respects comparable to Quicksilver, but with the unique flavor Krautrock ... Electric and acoustic guitars with the occasional keyboards dominate the whole. Compared to other German bands, this album Sitting Bull was a resounding success and entered the charts accululant positive reviews along the way. We rented the autonomy of their music especially on the long improvised epic songs. The song title of the album 'Trip Away' lasts more than ten minutes and shows the structural and musical abilities of the group.

Ces 4 musiciens de Brême (Allemagne du Nord ) jouent ici avec un touché très US Westcoast à certains égards comparables à Quicksilver, mais avec la saveur unique Krautrock ...

Les guitares électriques et acoustiques avec quelques claviers occasionnels dominent l'ensemble.

Comparé aux autres groupes Allemands, cet album de Sitting Bull eut un succès retentissant et entra dans les charts, accululant les critiques positives en chemin. On a loué l'autonomie de leur musique spécialement sur la longue épopée improvisée des chansons. Le morceau du titre de l'album 'Trip Away' dure plus de dix minutes et montre les capacités structurelles et musicales du groupe.

Sitting Bull - Trip Away (LP)

1971

Brainticket - Cottonwood Hill (1971)

Brainticket is a group of Swiss experimental Krautrock early 1970s. Unlike the other two essential albums Psychonaut (1972) and Celestial Ocean (1974) Cottonwood Hill give - much - more in jam hallucinated that the song builds, convoluted and infinitely arranged - gimmick that objectively always differentiate the psyche or the kraut of prog. Around liturgical organ saturated Vandroogenbroeck and bathed in the spinning and inescapable Leslie, the circumstance of paraphernalia made wah, flutes and other orgasmic chants.

Brainticket est un groupe de Krautrock expérimental suisse du début des années 1970. 

Contrairement aux deux autres albums essentiels Psychonaut (1972) et Celestial Ocean (1974), Cottonwoodhill donne - et encore - davantage dans la jam hallucinée que dans le morceau construit, alambiqué et infiniment arrangé - gimmick qui objectivement différenciera toujours le psyché ou le kraut du prog. Autour des orgues liturgiques saturés de Vandroogenbroeck et baignés de la tournoyante et incontournable Leslie, l'attirail de circonstance fait de wah-wah, flûtes et autres chants orgasmiques.

Brainticket - Cottonwood Hill (LP)

1971

Fuzzy Duck - Fuzzy Duck (1971)

This band from North London which was formed in 1970 is talented. The delicate voice Garth Watt Roy, bass guitar-organ-confrontations are wonderful and supercharged. Listen on the flights "Mrs Prout," "Afternoon out" (the level of a Ten Years After) or "In our time". And what about "More than I am" typical large piece of progressive hard time to square riffs and catchy chorus. The evolutionary track "Country boy" to the beautiful instrumental part not leave indifferent any fan of Deep Purple, "A word from Big D" is an instrumental "comic" in honor of their mascot. Unfortunately, after a year the musicians changed their "fuzzy" Shoulder: Mick Hawksworth work with Alvin Lee, Paul Francis with Mick Ronson. This LP was not published only 500 copies ...

Ce groupe originaire du nord de Londres qui se forma en 1970 est talentueux. La voix délicate de Garth Watt Roy, les confrontations basse-orgue-guitare sont splendides et survoltées. Ecoutez les envolées sur "Mrs Prout", "Afternoon out" (du niveau d'un Ten Years After) ou "In our time". Et que dire de "More than I am" grand morceau hard progressif typique de l'époque aux riffs carrés et refrain accrocheur. Le morceau évolutif "Country boy" à la magnifique partie instrumentale ne laisserait pas indifférent un fan de Deep Purple, "A word from Big D" est un instrumental "comique" en l'honneur de leur mascotte. Malheureusement, au bout d'un an les musiciens changèrent leur "fuzzy" d'épaule : Mick Hawksworth travaillera avec Alvin Lee, Paul Francis avec Mick Ronson.

Cet LP ne fut édité qu'à 500 exemplaires…

Fuzzy Duck - Fuzzy Duck (LP)

1971

Sheryl Crow - The Globe Sessions (1998)

After a second album rich and somewhat underestimated by the general public, Sheryl CROW returns in style with his new album: The Globe Sessions. It will be a great year for the singer, with three Grammy nominations, two actually achieved, especially that of the best rock album of 1998. The Globe Sessions is indeed an album that combines perfectly the pop-rock well vintage, and roots accents which had then just tend to forget. But Sheryl was born near Memphis, and that is probably what makes the difference. Who better she could wear this top as the world music singers? Note that excellent musician, it touches on all instruments: guitar, keyboards, harmonica ... A balance is also found in music, in another form. Certainly, the album is rock, black, sometimes dirty, and the smallest pretexts to mounted voice of the beautiful sound like cries of revolt. But do not forget that acoustic guitars are as important as electrical and Miss Sheryl still weighing the pros and cons of this contrast will. Thus, the beginning of the disc wants very roots in the blues guitar of 'My Favorite Mistake', Hammond is malicious, but there is this your pop song that makes the warm-and sensual, if one speaks the voice-in addition to make a tube that will keep their promises.

Après un second album riche et plus ou moins sous-estimé par le grand public, Sheryl CROW revient en grande pompe avec son nouvel opus : The Globe Sessions. Ce sera une grande année pour la chanteuse, avec trois nominations aux Grammy Awards dont deux réellement obtenus, en particulier celui du meilleur album rock de l'année 1998. The Globe Sessions est en effet un album qui réunit à merveille le pop-rock bien d'époque, et les accents roots qu'on avait alors un peu tendance à oublier. Mais Sheryl est née près de Memphis, et c'est sans doute cela qui fait la différence. Qui de mieux qu'elle pouvait porter cette musique aussi haut dans le monde des chanteuses ? Notez qu'en excellente musicienne, elle touche à tous les instruments : guitare, claviers, harmonica... Un équilibre que l'on retrouve aussi dans la musique, sous une autre forme. Certes, l'album est rock, noir, parfois sale, et les moindres prétextes aux montées de voix de la belle sonnent comme des cris de révolte. Mais n'oublions pas que les guitares acoustiques y sont aussi importantes que les électriques, et que miss Sheryl pèse encore le pour et le contre par cette volonté de contraste. Ainsi, le début du disque se veut très roots dans la guitare bluesy de 'My Favorite Mistake', l'orgue Hammond se fait malicieux, mais il y a ce ton pop qui rend la chanson chaleureuse -et sensuelle, si l'on parle de la voix-, en plus d'en faire un des tubes qui tiendront leurs promesses.

Sheryl Crow - The Globe Sessions (LP)

1998

Sheryl Crow - Sweet Child Of Time

From 'The Globe Sessions' 1998

Billy Cox 's Nitro Function - Nitro Function (1971)

A group essentially built on the then any fresh famous Billy Cox (bassist Jimi Hendrix Band Of Gypsy in his time) that produces music in a very psychedelic mind busy fuzz pedal. In reality the true source of inspiration of the group is more on the side of the singer guitarist Charlotte 'Char' Vinnedge ex Luv'd Ones (a group of female garage / psyche of the mid 60's). In 1971, Billy Cox met Char Vinnedge and, with Robert 'Tarp' Tarrant, completely unknown at this time, on drums, he formed a trio of classic Rock. Char was kind of obsessed guitarist Jimi Hendrix, which plunged in flamboyant and fabulous solos with feesdback by one, par- there. Even if she had not the level of Jimi, it was still a kind of 'flingueuse the six strings'. It was mostly a specialist fuzz-box / feedback before his time, so that Billy put his hand on the right woman for the job. The album "Nitro Function" is the outcome of this musical union. This is actually a tribute to Hendrix and Char is advertised on record as 'The Electric Lady'.

Un groupe essentiellement construit sur la renommée alors toute fraiche de Billy Cox (le bassiste de Jimi Hendrix dans sa période Band Of Gypsy) qui produit une musique dans un esprit très psychédélique bien chargée en pédale fuzz. En réalité la véritable source d’inspiration du groupe se situe davantage du coté de la chanteuse guitariste Charlotte 'Char' Vinnedge ex Luv'd Ones (un groupe féminin de garage/psyché du milieu des 60’s). En 1971, Billy Cox rencontre Char Vinnedge et, avec Robert 'Tarp' Tarrant, totalement inconnu à cette époque, à la batterie, il monte un trio classique de Rock. Char était une sorte de guitariste obsédée par Jimi Hendrix, qui plongeait dans de flamboyants et fabuleux solos avec du feesdback par-ci, par- là. Même si elle n'avait pas le niveau de Jimi, elle était malgré tout une sorte de 'flingueuse à la six cordes'. C'était surtout une spécialiste de la fuzz-box/feedback avant son temps, de sorte que Billy mit la main sur la femme idéale pour le job.
L'album "Nitro Function" est le résultat de cette union musicale. C'est en fait un hommage à Hendrix et Char est annoncée sur le disque comme 'The Electric Lady'.

Billy Cox's Nitro Function - Nitro Function (LP)

1971

Cat Stevens - Tea For The Tillerman (1970)

Difficult to succeed an album level Mona Bone Jakon and yet ... Released a few months after the latter, Tea For The Tillerman remains in the pop-folk tone of its predecessor while adding new elements like violins or some subtle arrangements (signed Del Newman) that make this album one of the most successful of the English genius. Following the success of his previous work Cat Stevens will serve us again a sumptuous blend of melody and sobriety. From the first chords we feel that the Cat has preserved the sensitivity of previous albums. "Where Do the Children Play? "Opens this journey to the heart of melancholy and sweetness shown into the beautiful pouch signed Cat Stevens himself. Two beautiful pieces away, and after the interplanetary hit "Wild World" that everyone has at least heard it once, Cat Stevens offers us the ride of the century: "Sad Lisa". His piano intro to cry the least sensitive of you, his beautiful violin solo and the song mastered to perfection make this song one of the most beautiful of the 70's. The whole album is full of rooms all as beautiful as each other as the dialogue between father and son of the cult classic "Father & Son" or the gospel flew the ultimate piece. Nothing to throw, everything is beautiful, sublime, great - the Cat takes us over the 37 minutes in the heart of sensitivity and its so personal universe.

Difficile de succéder à un album du niveau de Mona Bone Jakon et pourtant...Sorti quelques mois après ce dernier, Tea For The Tillerman reste dans la tonalité pop-folk de son prédécesseur tout en y ajoutant de nouveaux éléments comme des violons ou encore quelques subtils arrangements (signés Del Newman) qui font de cet album l’un des plus réussis du génie anglais. Fort du succès de son œuvre précédente Cat Stevens va nous servir à nouveau un somptueux mélange entre mélodie et sobriété. Dès les premiers accords on sent que le Cat a conservé toute la sensibilité des albums précédents. « Where Do the Children Play? » ouvre ce voyage au cœur de la mélancolie et de la douceur représenté jusque dans la superbe pochette signée Cat Stevens himself. Deux magnifiques morceaux plus loin, et après le tube interplanétaire « Wild World », que tout le monde a au moins déjà entendu une fois, Cat Stevens nous offre la ballade du siècle : « Sad Lisa ». Son intro au piano à faire pleurer les moins sensibles d'entre vous, son superbe solo de violon ainsi que le chant maîtrisé à la perfection font de cette chanson l'une des plus belles des 70's. L’album entier est parsemé de pièces toutes aussi belles les unes que les autres comme le dialogue entre père et fils du cultissime « Father & Son » ou encore l’envolé gospel de l’ultime morceau. Rien est à jeter, tout est beau, sublime, grand – le Cat nous fait voyager durant ces 37 minutes au cœur de la sensibilité et de son univers si personnel.

Cat Stevens - Tea For The Tillerman (LP)

1970

Bedlam - Bedlam (1973)

Bedlam is much more than the group's drummer Cozy Powell legend after his time with Jeff Beck (it afflicts all major Hard groups of creation). This is also the group of Dave Bail successor to Robin Trower in Procol Harum. It's also an album produced by Felix Pappalardi of Mountain (at the time, it is a sacred guarantee of quality). Not least, this is one of the best albums Hard 100% from 1973.

Bedlam, c’est beaucoup plus que le groupe du batteur de légende Cozy Powell après son passage chez Jeff Beck (il sévira dans tous les plus grands groupes de Hard de la création).

C’est aussi le groupe de Dave Bail qui a succédé à Robin Trower au sein de Procol Harum. 

C’est aussi un album produit par Felix Pappalardi des Mountain (à l’époque, c’est un sacré gage de qualité). Enfin et surtout, c’est un des meilleurs albums 100% Hard de 1973.

Bedlam - Bedlam (LP)

1973

Bang - Mother / Bow To The King (1972)

Here is a group that was considered in 1971 as the American Black Sabbath. Bang is one of the most unjustly forgotten by their record during a career of more than 3 years groups! Their label, Capitol, did not know what to do with this group and therefore no serious advancement has been scheduled at a time when Bang could have known a great career. It all started with a concert of Rod Stewart in Orlando in 1971. Bang did the opening act and literally stole the show. From that moment, the promoters of the East Coast and then those on the West Coast have given the word and Bang has become a safe bet to ensure the first parts of heavyweights of the genre. Bang The first album is considered a very important disc in the metal genre / rock but the second, Mother / Bow To The King barely out one year later should have become a key album but a series of unfortunate developments occurred at the worst time. Conflicts with the record, differences over the album art and a change in personnel did their third and latest album is also released in the greatest discretion.

Voici un groupe qui était considéré en 1971 comme le Black Sabbath américain. Bang est un des groupes les plus injustement oubliés par leur maison de disques durant une carrière de plus de 3 ans ! Leur label, Capitol, ne savait pas quoi faire avec ce groupe et par conséquent aucune promotion sérieuse n'a été programmée à un moment où Bang aurait pu connaître une très belle carrière.

Tout a commencé lors d'un concert de Rod Stewart à Orlando en 1971. Bang assurait la première partie et a littéralement volé le show. A partir de ce moment là, les promoteurs de la côte Est et ensuite ceux de la côte Ouest se sont donnés le mot et Bang est devenu une valeur sûre pour assurer les premières parties des poids lourds du genre.

Le premier album de Bang est considéré comme un disque très important dans le genre metal/rock mais le second,Mother / Bow To The King sorti à peine un an plus tard aurait dû devenir un album clef mais une série d'éléments malheureux sont intervenus au plus mauvais moment. Des conflits avec la maison de disques, des divergences quant à la pochette de l'album et un changement de personnel ont fait que leur troisième et dernier album est lui aussi sorti dans la plus grande discrétion.

Bang - Mother / Bow To The King (LP)

1972

Grateful Dead - American Beauty (1970)

The first impression from listening to the ten gems that make up American Beauty, is the communion that unites the group. Of topics on how to use the choruses, the album is full of spirituality. The influence of the gospel is evident on many occasions, especially on 'Attics of My Life'. Recollection ( 'Candyman', 'Brokedown Place') to resume the hymns in unison ( 'Ripple', 'Sugar Magnolia'), the grateful Dead endorsed the tested recipes of American religious music. The secret to the popularity of the Dead is probably there, in that communion which brings the group and the public around immediate songs and frenzied jams. Even on a finely produced studio album as American Beauty, printing is kept to a concert in an old cozy bar, buttocks screwed on a stool handy Jerry Garcia and his band (and a bottle of Kentucky bourbon, needless to say). Group members are also aware, and are still used to pull a few extra dollars to their loyal fans.

La première impression qui ressort de l’écoute des dix joyaux qui composent American Beauty, c’est la communion qui unit les membres du groupe. Des thèmes abordés à la manière d’employer les chœurs, l’album est empreint de spiritualité. L’influence du gospel est évidente à maintes reprises, en particulier sur 'Attics of My Life'. Du recueillement ('Candyman', 'Brokedown Place') aux hymnes à reprendre à l’unisson ('Ripple', 'Sugar Magnolia'), le Mort reconnaissant a fait siennes les recettes éprouvées de la musique religieuse américaine. Le secret de la popularité du Dead est sans doute là, dans cette communion qui rassemble le groupe et le public autour de chansons immédiates et de jams endiablés. Même sur un album studio finement produit comme American Beauty, on conserve l’impression d’assister à un concert dans un vieux bar cossu, les fesses vissées sur un tabouret, à portée de main de Jerry Garcia et sa bande (et d’une bonne bouteille de Kentucky bourbon, cela va sans dire). Les membres du groupe en sont d’ailleurs bien conscients, et s’en sont toujours servi pour tirer quelques dollars supplémentaires à leurs fans fidèles.

Grateful Dead - American Beauty (LP)

1970

Creedence Clearwater Revival - Cosmo's Factory (1970)

Cosmo's Factory is undoubtedly the last great record of Creedence Clearwater Revival, rock band led by singer / guitarist John Fogerty (his voice hoarse, his lumberjack shirt, his hair cut at bowl '). Released in 1970, the album follows three monstrous albums released in 1969 (for 3 yep), Bayou Country, Green River and, best of three (and the group), Willy And The Poor Boys. These three albums rather short (between 30 and 34 minutes) offered the band their biggest tubes, 'Bad Moon Rising', 'Down On The Corner,' 'Fortunate Son', 'Proud Mary', 'Born On The Bayou', 'Lodi', 'Green River', no less! After these three summits, the group had to persevere. Also Cosmo's Factory, significantly longer than previous (it lasts 42 minutes), does not disappoint at all, from that side. The album offers masterpieces, as was the case for the previous three monuments. There is a revival of 'My Baby Left Me' Arthur Crudup, another remarkable and extension (11 minutes) of standard 'I Heard It Through The Grapevine', originally sung by Marvin Gaye. There are other recovery, 'Before You Accuse Me' (Bo Diddley song that will subsequently also taken up by Eric Clapton). It includes, above all, 'Up Around The Bend' haunting riff, 'Run Through The Jungle', 'Who'll Stop The Rain' and 'Ramble Tamble'.

The group is the top of his game and delivers a masterpiece sent word to Bob Dylan that was the best album of 1970.Cosmo's Factory est indéniablement le dernier grand disque de Creedence Clearwater Revival, groupe de rock mené par le chanteur/guitariste John Fogerty (sa voix rauque, ses chemises de bûcheron, sa coupe de cheveux 'au bol'). Sorti en 1970, l'album fait suite à trois monstrueux albums sortis en 1969 (pour les 3, hé oui), Bayou Country, Green River et, le meilleur des trois (et du groupe), Willy And The Poor Boys. Ces trois albums assez courts (entre 30 et 34 minutes) offrirent au groupe leurs plus gros tubes, Bad Moon Rising, Down On The Corner, Fortunate Son, Proud Mary, Born On The Bayou, Lodi, Green River, rien que ça ! Après ces trois sommets, le groupe se devait de persévérer. Aussi Cosmo's Factory, nettement plus long que les précédents (il dure 42 minutes), ne déçoit pas du tout, de ce côté-là. L'album offre des chef d'oeuvres, comme ce fut le cas pour les trois monuments précédents. On y trouve une reprise du My Baby Left Me d'Arthur Crudup, une autre, remarquable et à rallonge (11 minutes) du standard I Heard It Through The Grapevine, à l'origine chantée par Marvin Gaye. On y trouve une autre reprise, Before You Accuse Me (de Bo Diddley, chanson qui sera par la suite reprise aussi par Eric Clapton). On y trouve, surtout, Up Around The Bend au riff obsédant, Run Through The Jungle, Who'll Stop The Rain et Ramble Tamble. Le groupe est au sommet de son art et délivre un chef-d'œuvre qui fit dire à Bob Dylan que c'était le meilleur album de l'année 1970.

Creedence Clearwater Revival - Cosmo's Factory (LP)

1970

The Eagles - Eagles (1972)

The Eagles are an American rock band formed in Los Angeles, California in 1971 by Glenn Frey (born November 6, 1948 in Detroit). At its inception, the group consists of bassist Randy Meisner singer, guitarist vocalist and banjo player Bernie Leadon, drummer Don Henley singer and guitarist, pianist, singer Glenn Frey. With five number one singles and six number one albums, the band was one of the formations has been the most successful of the 1970s. The first album was recorded under the title 'Eagles' to England in February 1972 with producer Glyn Johns and he released 17 June 1972. This disc will meet a great success, and the Eagles are a huge breakthrough giving three singles in the Top 40. the first single and lead track from the album 'Take it Easy' is a song written by Glenn Frey and his neighbor and fellow country-folk rocker Jackson Browne. Browne had written the first and third verses, and the chorus, but his work on the song was out of fuel. After giving permission to work there Frey, Frey added the second verse. The song reached number 12 on the Billboard Hot 100 and propelled the Eagles into stardom. The single was followed by the bluesy 'Witchy Woman' and the soft country rock ballad 'Peaceful Easy Feeling' respectively reaching number 9 and number 22. The Eagles were a major force in popularizing his country rock of Southern California.

The Eagles sont un groupe de Rock Américain formé à Los Angeles, en Californie en 1971 par Glenn Frey (né le 6 Novembre 1948 à Detroit). À ses débuts, le groupe est constitué du bassiste chanteur Randy Meisner, du chanteur guitariste et banjoiste Bernie Leadon, du batteur chanteur Don Henley et du guitariste, pianiste chanteur Glenn Frey . Avec cinq singles numéro un et six albums numéro un, le groupe a été l'une des formations qui a connu le plus de réussites des années 1970.
Le premier album du groupe a été enregistré sous le titre 'Eagles' en Angleterre en Février 1972 avec le producteur Glyn Johns et il sort le 17 Juin 1972. Ce disque va rencontrer un très grand succès, et les Eagles font une énorme percée donnant trois singles dans le Top 40. Le premier single et morceau principal de l'album 'Take It Easy', est une chanson écrite par Glenn Frey et son voisin et collègue country-folk rocker, Jackson Browne. Browne avait écrit le premier et le troisième couplets, ainsi que le chœur, mais son travail sur la chanson était en panne sèche. Après avoir donné la permission à Frey à y travailler, Frey a ajouté le second couplet. La chanson atteint le numéro 12 dans le Billboard Hot 100 et propulse les Eagles dans la célébrité.
Le single est suivi par le bluesy 'Witchy Woman' et la ballade soft country rock 'Peaceful Easy Feeling' atteignant respectivement le numéro 9 et le numéro 22.

Les Eagles ont été une force majeure en popularisant le son country rock de la Californie du Sud.

The Eagles - Eagles

1972

Chris Rea - On The Beach (1986)

This is the classic eponymous superb 'On The Beach' which opens this album dedicated to a positive life and without superficiality. The little guitar lick nothing transcendent but its association with a smooth orchestration makes you die deeply endearing, one feels sometimes in South America, now on a Caribbean island but always on the same beautiful beach synonymous coolness. It is undeniable, this song has a strong hypnotic power. Magnificent ! Each album title on the beach is an apology to smooth! Consider this the twilight atmosphere of 'Passing Through' his quiet piano, her terrible guitar solo. And what of the splendid 'Little Blonde Plaits' beautiful and ethereal? 'Hello Friends' is always carved in the same vein, light synth tablecloths, a guitar that floats between reverb and delay, always clear and not ramenarde for a penny, but so effective, and the romantic voice of Chris, so to comfortable on his sentimental trifles!

C'est le superbe classique éponyme 'On The Beach' qui ouvre cet album dédié à une vie positive et sans superficialité. Le petit lick de guitare n'a rien de transcendant mais son association avec une orchestration plus smooth tu meurs la rend profondément attachante, on se croit tantôt en Amérique du Sud, tantôt sur une ile des Caraïbes mais toujours sur la même superbe plage synonyme de coolitude. C'est indéniable, cette chanson a un fort pouvoir hypnotique. Magnifique !
Chaque titre de l'album sur la plage est une apologie au smooth ! Voyez plutôt l'ambiance crépusculaire de 'Passing Through' son piano tranquille, son solo de guitare terrible. Et que dire de la splendide 'Little Blond Plaits', ravissante et éthérée ? 'Hello Friends' est toujours taillée dans cette même veine, des nappes de synthé légères, une guitare qui flotte entre reverb et delay, toujours claire et pas ramenarde pour un sou, mais si efficace, et la voix romantique de Chris, tellement à l'aise sur ses bluettes sentimentales !

Chris Rea - On The Beach (LP)

1986

Roxy Music - Avalon (1982)

The path is long will extravagance and decadent chants to bright legitimacy of Avalon. A decade has passed which saw the advent of these precursors and their contemporaries (Bowie, Sparks, Alice Cooper) now at the time of recognition and distributed heritage, found in a spectrum ranging from gothic Bauhaus , romantic electropop Cure Depeche mode, Simple Minds or Japan. In the latter, David Sylvian seems most worthy representative of British elegance. Under the leadership of Bob Clearmountain Rhett Daves and the Compass Point Studios in Nassau (Bahamas) and Power Plant in New York, Roxy Music, which is no more than the treasure of Bryan Ferry, is getting a facelift at great expense. Manzanera and Mackay, faithful to the post, are surrounded by a few sizes studios (Neil Hubbard, Alan Spenner, Andy Newmark, Neil Jason, Jimmy Maelen and Fonzi Thornton) that hold back their enthusiasm somewhat. Their interventions parameterized and domesticated flow throughout these ten tracks to smooth production. In this case the tubes come out like pearls: 'More Than This',' Avalon 'and' Take A Chance With Me 'adapt easily to the FM radio format, and' The Space Between 'or' While My Heart Is Still Beating 'might as well have to comply. Needless to seek literary references, this time master Ferry abandons brainstorming for evoking feelings of some real or fictional lovers. Ten beaches full evanescence that make you dream and rank the Viva! Manifesto and other Flesh + Blood status pretty drafts. These small touches of pastel synths on a relentless rhythm, without this voice finally laid bare fact, some choirs are adjusted all the substance of this trip mythological land. The rich instrumental 'India' transports us to the ultimate place where Roxy Music Omega reached its extreme sophistication where the easy listening and pop stylized find their culmination. Feat efficiency, Avalon unveils beautiful melodies in this sumptuous setting.

Le chemin parcouru est long qui va des extravagances et mélopées décadentes à la brillante légitimité d’Avalon. Une décennie s’est écoulée qui a vu l’avènement de ces précurseurs et de leurs contemporains (Bowie, Sparks, Alice Cooper) maintenant à l’heure de la reconnaissance et de l’héritage distribué, retrouvé dans un spectre allant des gothiques Bauhaus, Cure aux romantiques électropop Depeche Mode, Simple Minds ou Japan. Chez ces derniers, David Sylvian semble le plus digne représentant de l’élégance british. Sous la férule de Rhett Daves et Bob Clearmountain aux Compass Point Studios de Nassau (Bahamas) et au Power Plant de New York, Roxy Music qui n’est plus que le trésor de Bryan Ferry, se refait un lifting à grands frais. Manzanera et Mackay, fidèles au poste, sont entourés de quelques pointures des studios (Neil Hubbard, Alan Spenner, Andy Newmark, Neil Jason, Jimmy Maelen et Fonzi Thornton) qui brident quelque peu leurs ardeurs. Leurs interventions paramétrées et domestiquées coulent au long de ces dix titres à la production lisse. De cet écrin sortent les tubes comme des perles : 'More Than This', 'Avalon' et 'Take A Chance With Me' s’adaptent sans peine au format des radios FM, et 'The Space Between' ou 'While My Heart Is Still Beating' auraient tout aussi bien pu s’y soumettre. Inutile de chercher des références littéraires, cette fois maître Ferry délaisse le brainstorming pour l’évocation de quelques sentiments amoureux réels ou fictifs. Dix plages de pleine évanescence qui font rêver et rangent les Viva !, Manifesto et autre Flesh + Blood au statut de jolies ébauches. Ces petites touches de synthés pastel sur une rythmique implacable, cette voix sans effet enfin mise à nu, quelques chœurs ajustés sont toute la substance de ce voyage en terre mythologique. Le riche instrumental 'India' nous transporte dans ce lieu ultime où Roxy Music atteint son Oméga de la sophistication extrême où le easy listening et la pop stylisée trouvent leur aboutissement. Prouesse d’efficacité, Avalon dévoile de superbes mélodies sous ce somptueux décor.

Roxy Music - Avalon (LP)

1982

Amy Winehouse - Back In Black (2006)

2006: Amy Winehouse is surely one of the most talented female artists of recent years. When she is older than 20 years, her first album Frank sells more than 250,000 copies and earned him the Ivor Novello Awards for writing the irresistible Stronger Than Me. While Frank was the mark of his original jazz training, Back to Black is imbued with a deep soul with hints of Motown. Certainly the shape is lightened, but Amy has ensured a high class result with Mark Ronson and Salaam Remi in producing or using the Dap-Kings on You Know I'm No Good.

'Tryin' to get me go to rehab, I say no, no, no 'proclaims the hit of 2007 with this amazing voice straight out of a standard Supremes. Who has not been amazed to learn after a first listen that this voice was not that of a soul legend on the back or a black girl taken from a slum Detroit and pushed by his parents, but indeed that of a young Englishwoman of the middle class?

The illusion continues on an entire album to the retro production, bouncy rhythms and ubiquitous brass provided by The Dap-Kings - Sharon Jones of the group - which is reminiscent of Dusty Springfield Dusty In Memphis (1968) recorded in the Stax studios. Of these eleven original compositions, Amy Winehouse - the girl with tattoos and twelve many addictions - flirts with the canons of the genre: the inveterate infidel ( 'You Know I'm No Good'), jealous ( 'Me & Mr . Jones' would be a reference to the rapper Nas, an acquaintance), bitter player ( 'Love is a Losing Game') and the fatal widow (the sumptuous' Back to Black '), very comfortable in these languorous ballads. instant classic, Back to Black conceals its assets in a voice capable of taking the listener into his net for not releasing. Before the phenomenal success of the album on the length (parallel to the antics of singer), it is reissued a year later in a double deluxe Version (under black cover) including seven new tracks, including the unexpected classic 'Valerie' popularized by Mark Ronson.

2006 : La France ne la connaît pas encore, mais Amy Winehouse est sûrement l'une des artistes féminines la plus douée de ces dernières années. Ce qui n'a d'ailleurs pas échappé à nos voisins britanniques, puisqu'en 2003, alors qu'elle n'est âgée que de 20 ans, son premier album Frank vend plus de 250 000 copies et lui vaut le Ivor Novello Award pour l'écriture de l'irrésistible Stronger Than Me. Alors que Frank portait la marque de sa formation jazz d'origine, Back To Black s'imprègne d'une soul profonde aux accents de Motown. Certes la forme s'est allégée, mais Amy s'est assuré un résultat de grande classe avec Mark Ronson et Salaam Remi à la production ou l'aide des Dap-Kings sur You Know I'm No Good.

'Tryin’ to get me go to rehab, I say no, no, no' clame le hit de l’année 2007 avec cette voix époustouflante tout droit sortie d’un standard des Supremes. Qui n’a pas été bluffé d’apprendre après une première écoute que cette voix n’était nullement celle d’une légende soul sur le retour ou d’une fille noire extraite d’un taudis de Detroit et poussée par ses parents, mais bien celle d’une jeune Anglaise de la classe moyenne ?
L’illusion se poursuit sur la totalité d’un album à la production rétro, aux rythmiques sautillantes et aux cuivres omniprésents assurés par The Dap-Kings - le groupe de Sharon Jones - qui n’est pas sans évoquer la Dusty Springfield de Dusty In Memphis (1968) enregistré dans les studios Stax.
Sur ces onze compositions originales, Amy Winehouse – la fille aux douze tatouages et autant d’addictions – flirte avec les canons du genre : l’infidèle invétérée ('You Know I’m No Good'), la jalouse ('Me & Mr. Jones' qui serait une référence au rappeur Nas, une de ses connaissances), la joueuse amère ('Love Is a Losing Game') et la veuve fatale (le somptueux 'Back to Black'), très à l’aise dans ces langoureuses ballades.
Classique instantané, Back to Black recèle dans ses atouts une voix capable de prendre l’auditeur dans ses filets pour ne plus le lâcher. Devant le succès phénoménal de l'album sur la longueur (parallèlement aux frasques de la chanteuse), celui-ci est réédité un an après dans une version double deluxe (sous couverture noire) incluant sept nouveaux titres, dont le classique inattendu 'Valerie' popularisé par Mark Ronson.

Amy Winehouse - Back In Black (LP)

2006

Fleetwood Mac - Tusk (1979)

Tusk offers a variety of pop compositions that manage to be original in an area where originality is usually not easy to reach. First rock album in history to have been fully digitally recorded, it is full of hits like no other cake quintet. And what hits! Besides songs of Christine McVie formatted for the US charts (Over & Over, Think About Me, Brown Eyes), there is a primitive rocks deluge played by Lindsey Buckingham cocaine, but very inspired. This album is also undoubtedly the masterpiece of the guitarist. His tracks wacky and wobbly, sometimes bellowed, sometimes sussurés are extremely effective real guitar demonstrations assumed simplicity of force. Lindsey will never regain the breath of catchy little gems such as The Ledge, Save Me A Place or Tusk. However, the real hero of this magnificent disc is Stevie Nicks ...

Tusk propose une diversité de compositions pop qui réussissent à être originales, dans un domaine où l'originalité n'est généralement pas facile à atteindre.
Premier album de rock de l'histoire à avoir été intégralement enregistré en numérique, il regorge de hits comme aucune autre galette du quintette. Et quels hits!
A côté de chansons de Christine Mc Vie formatées pour les charts US (Over & Over, Think About Me, Brown Eyes), on trouve un déluge de rocks primitifs joués par un Lindsey Buckingham cocainé, mais néanmoins très inspiré. Cet album est d'ailleurs sans conteste le chef d'oeuvre du guitariste. Ses morceaux farfelus et bancals, parfois beuglés, parfois sussurés, sont de vraies démonstrations de guitare redoutablement efficaces à force de simplicité assumée. Jamais Lindsey ne retrouvera le souffle de petites perles entraînantes telles que The Ledge, Save Me A Place ou encore Tusk.

Néanmoins, la véritable héroïne de ce disque somptueux, c'est Stevie Nicks...

C'est cinq merveilles absolues qu'elle offre au groupe :

• Sara, une balade songeuse et éthérée.
• Storms, une confession intime, bouleversante de sensibilité.
• Sisters of the Moon, un hymne à la féminité, feulé et vaguement menaçant.
• Angel, une démonstration de savoir-faire.
• Beautiful Child, une réflexion sur l'âge, le temps qui passe et la séduction.

Fleetwood Mac - Tusk (LP)

1979