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Rock Music Blog

jeudi 4 août 2016

Pure Prairie League - Pure Prairie League (1970)



The oldest, and country-rock fans, have not lost sight of Pure Prairie League, this group of Ohio created, initially, around Craig Fuller (great songwriter), Tom McGrail, Jim Caughlan, high school mates, then completed by Ed George Powell, Kenny May, David Workman, John Call and still later by Jim Lanham. From the late 60s to early 80s, Pure Prairie League has released eight studio albums, some of which are not bitten worms ... In fact, there was no Eagles and others to give and south the country-rock acclaim. This first 1972 self-titled album perfectly transcribed climate all addicted gender research in this music. Hence a very successful first jet, with beautiful instrumentation, beautiful guitars, beautiful harmonies, a Craig Fuller inspired lyrically.

This album feels good dryland and desert from which emerge a few stunted cactus.Les plus anciens, et amateurs de country-rock, n'auront pas perdu de vue Pure Prairie League, ce groupe de l'Ohio créé, dans un premier temps, autour de Craig Fuller (super auteur-compositeur), Tom McGrail, Jim Caughlan, des potes de lycée, complété ensuite par George Ed Powell, Kenny May, David Workman, John Call et encore plus tard, par Jim Lanham. De la fin des années 60 au début des années 80, Pure Prairie League a publié huit albums studio dont certains ne sont pas piqués des vers... En fait, il n'y avait pas qu'Eagles et consorts pour donner au sud et au country-rock ses lettres de noblesse. Ce premier album éponyme de 1972 retranscrit parfaitement le climat que tout accro du genre recherche dans cette musique. D'où un premier jet très réussi, avec de belles instrumentations, de belles guitares, de belles harmonies, un Craig Fuller inspiré lyriquement.
Cet album sent bon les terres arides et désertiques d'où émergent quelques cactus chétifs.

1970

The Outlaws - Hurry Sundown (1977)



This 3rd album Outlaws is closer to that of Eagles Lynyrd Skynyrd. This is mainly the producer of the pancake Bill Szymzyk that gives her licked by emphasizing the guitars. It must be said that this group has 3 guitarists, 2 lead, and when playing front, it défouraille dry. Hurry Sundown in Southern country rock style with flowing guitars and vocal harmonies well orchestrated, the best example is the title track was released as a single in 1977 and remains one of the most beautiful songs of this group. Note also the first title 'Gunsmoke' which is the hardest of the album. 'Hearin' My Heart Talkin '' So Afraid ',' Man Of The Hour ',' Heavenly Blues', 'Cold And Lonesome "and" Night Wines' complement marvelously this excellent album that confirms the exceptional nature of guitar playing Hughie Thomasson fire, many have never even heard the name ...

Ce 3ème album des Outlaws est plus proche des Eagles que de Lynyrd Skynyrd. Cela vient principalement du producteur de la galette Bill Szymzyk qui donne un son léché en mettant en avant les guitares. Il faut dire que ce groupe a 3 guitaristes, dont 2 lead, et lorsqu'ils jouent de front, ça défouraille sec. Hurry Sundown fait dans un style country rock sudiste avec des guitares fluides et des harmonies vocales bien orchestrées, dont le meilleur exemple est la chanson titre qui était sortie en single en 1977 et qui demeure une des plus belles chansons de ce groupe. A noter aussi le premier titre 'Gunsmoke' qui est le plus hard de l'album. 'Hearin' My Heart Talkin', 'So Afraid', 'Man Of The Hour', 'Heavenly Blues', 'Cold And Lonesome' et 'Night Wines' complètent merveilleusement cet excellent album qui confirme le caractère exceptionnel du jeu de guitare de feu Hughie Thomasson, dont beaucoup n'ont même jamais entendu prononcer le nom...

From 'Hurry Sundown', 1977





Grateful Dead - Mars Hotel (1974)



Seventh installment of the Dead. The sublime and original 'Unbroken Chain' (played by Phil Lesh, that finally the recognition it deserves) the sound came from we-don't-knows where and which allows all musicos to shine, as the tender ballad atmospheric 'China Doll' and friendly and cheerful 'US Blues', the beautiful and gentle 'Ships Of Fools' are the centerpieces. The visionary 'Pride Of Cucamonga' (despite an efficient steel guitar provided by the guest of honor John McFee Cactus), country, and 'Money Money' (Bob Weir), more shopping and 'Loose Lucy' and gay and Latino 'Scarlet Begonias' are somewhat lower. By remaking history Dead, it is not vain to recall, at that time, the group was looking to move abroad and educate the European public, where some choice incomprehensible titles or purely commercial character . Let us mainly in this album first mentioned titles, the magic of Jerry Garcia guitar that is not doing too bad at singing, even if it is not the best singer, efficient and versatile rhythm section and Godchaux quality keyboards.

Septième opus du Dead. Le sublime et original 'Unbroken Chain' (interprété par Phil Lesh, qui a enfin la reconnaissance qu'il mérite) au son venu d'on-ne-sait-où et qui permet à tous les musicos de briller, comme la tendre ballade atmosphérique 'China Doll' et sympa et enjoué 'US Blues', le très beau et doux 'Ships Of Fools' en sont les pièces maîtresses. Le fantaisiste 'Pride Of Cucamonga' (en dépit d'une steel guitare efficace assurée par l'invité de marque John McFee de Cactus), country, et 'Money Money' (Bob Weir), plus commercial, ainsi que 'Loose Lucy' et le gai et latino 'Scarlet Begonias' sont un peu plus faibles. En refaisant l'histoire du Dead, il n'est pas vain de rappeler, qu'à cette époque, le groupe cherchait à s'expatrier et à sensibiliser un public européen, d'où certains choix de titres incompréhensibles ou à caractères purement commerciaux. Retenons principalement de cet album les premiers titres évoqués, la guitare magique de Jerry Garcia qui ne s'en sort pas trop mal au chant, même s'il n'est pas le meilleur chanteur, une section rythmique efficace et un Godchaux polyvalent et de qualité aux claviers.

1974

Bob Weir - Ace (1972)



They came, they are all there ... Bob Weir, the Dead almost at full strength behind it, offers a prestigious backing band (Garcia, Lesh, the Godchaux, Kreutzmann and Torbert) to make his first solo album the called Ace, released in May 1972 after the European tour of the San Francisco flagship group. Ace has all the Dead, except its title. However, all the songs, without exception, have a common denominator: Bob Weir to writing, only (One More Saturday Night), co-written with John Perry Barlow, childhood friend and longtime partner ( 5 titles), or with Mickey Hart and Robert Hunter, Dead others. Seven of the eight tracks Ace eventually becoming the standard of the Grateful Dead repertoire, ie the relevance of this album and its quality. Clean, bright, strong, consistent, Ace has the best songs of Bob Weir: Greatest Story Ever Told, Playing In The Band, Mexicali Blues, Cassidy, Black Throated Wind, Looks Like Rain, One More Saturday Night. The presence of the Dead is an undeniable added value and making it a formidable record for Bob Weir, beyond his expectations. The story is beautiful.

Ils sont venus, ils sont tous là... Bob Weir, avec le Dead quasiment au grand complet derrière lui, s'offre un backing band prestigieux (Garcia, Lesh, les Godchaux, Kreutzmann et Torbert), pour réaliser son premier album solo, le baptisé Ace, sorti en mai 1972, après la tournée européenne du groupe phare de San Francisco. Ace a donc tout du Dead, sauf son titre. Cependant, toutes les chansons, sans exception, ont un dénominateur commun : Bob Weir à l'écriture, seul (One More Saturday Night), en co-écriture, avec John Perry Barlow, l'ami d'enfance et complice de toujours (5 titres), ou avec Mickey Hart et Robert Hunter, autres Dead. Sept des huit pistes d'Ace devenant par la suite des standards du répertoire de Grateful Dead, c'est dire la pertinence de cet album et sa qualité. Propre, lumineux, solide, cohérent, Ace comporte les meilleures chansons de Bob Weir : Greatest Story Ever Told, Playing In The Band, Mexicali Blues, Cassidy, Black Throated Wind, Looks Like Rain, One More Saturday Night. La présence du Dead est une indéniable plus-value et contribue à en faire un disque formidable pour Bob Weir, allant au-delà de ses espérances. L'histoire est belle.

1972

Rainbow - Rising (1976)



In 1976, released the second album of solo project of guitarist Ritchie Blackmore. The group is called Rainbow and line-up of this album is simply monstrous. Sir Blackmore knew well surrounded unearthing extraordinary musicians at each position: the great Ronnie James Dio on vocals, Cozy Powell on drums, genius keyboardist Tony Carey and equally excellent Jimmy Bain on bass, all in the time unknown to the public. First of all, the album is very short, about thirty minutes for only 6 titles. The album starts with spacey keyboards Tony Carey and the title "Tarot Woman". Magic! The song of Dio is aggressive and powerful, while Blackmore guitar is everywhere. The pace is removed, all remaining very melodic. Blackmore's guitar parts are majestic while his solos are well interpreted, concise, sharp. The chorus is unstoppable, heady, powerful, melodic. In short, everything we love in the music of Rainbow. The guitar parts are hallucinated the end of the song accompanying the Dio songs masterfully. 'Starstruck' is a classic, which makes me think immediately of Deep Purple. The rhythm will make you immediately stomp. The game of Powell and bath there is surely no coincidence. Dio ensures incredibly vocals, while Blackmore ignites his guitar, with furious solos, powerful riffs, technical but without adding however. 'Stargazer' is the title track of this album. With over eight minutes, Ritchie and his band delivers us a title came from elsewhere. Riff vengeful and sharp, Dio sang with melody and with a power, a rare conviction. The song has a very eastern side. The song is captivating from beginning to end, epic atmosphere, chaotic battery Mr. Powell, and, best of all, the group is accompanied by the Munich Philharmonic Orchestra, in short you can see, this piece is alone a masterpiece that remains even after all this time, a hard rock firepower model, epic, symphonic and grandiose wish. And the group does not let the pressure to the end of the album with the fast'A Light In The Dark' and of Ritchie Blackmore who outbid more beautiful, all masterfully supported by the double bass drum and bass Powell Jimmy Bain, and the two soloists who engage in a final in unison, great art, a true lesson of hard rock in short. This album is a monument of melodic hard rock. Everything is there, melody, power, magic voice, catchy chorus, imperial solos.

En 1976, sort le deuxième album du projet solo du guitariste Ritchie Blackmore. Le groupe s'appelle Rainbow et le line-up de cet album est tout simplement monstrueux. Sir Blackmore a su bien s'entourer en dénichant des musiciens extraordinaires à chaque poste : le grand Ronnie James Dio au chant, Cozy Powell à la batterie, le claviériste de génie Tony Carey et le non moins excellent Jimmy Bain à la basse, tous à l'époque inconnus du grand public.
Tout d'abord, l'album est très court, une trentaine de minutes pour seulement 6 titres.
L'album commence avec les claviers planants de Tony Carey et le titre "Tarot Woman". Magique! Le chant de Dio est bien agressif et puissant, tandis que la guitare de Blackmore est partout. Le rythme est bien enlevé, le tout restant très mélodique. Les parties de guitare de Blackmore sont majestueuses tandis que ses soli sont bien interprétés, concis, nets. Le refrain est imparable, entêtant, puissant, mélodique. Bref, tout ce qu'on aime dans la musique de Rainbow. Les parties de guitare sont hallucinées sur la fin du morceau, accompagnant les chants de Dio de façon magistrale.
"Starstruck" est un classique, qui me fait penser immédiatement à du Deep Purple. Le rythme vous fera immédiatement taper du pied. Le jeu de Powell et de Bain n'y sont sûrement pas pour rien. Dio assure incroyablement au chant, tandis que Blackmore enflamme sa guitare, avec des soli rageurs, des riffs puissants, techniques mais toutefois sans en rajouter.
"Stargazer" est le titre phare de cet album. Avec plus de huit minutes, Ritchie et sa bande nous délivre un titre venu d'ailleurs. Riff vengeur et acéré, Dio chante avec mélodie et avec une puissance, une conviction rare. Le morceau a un coté très oriental. Le morceau est captivant du début à la fin, ambiance épique, la batterie chaotique de Monsieur Powell, et, cerise sur le gâteau, le groupe est accompagné par le Munich Philharmonic Orchestra, bref vous l'aurez compris, ce morceau est à lui seul un chef d’œuvre qui reste, même après tout ce temps, un modèle de puissance de feu hard rock, épique, symphonique et grandiose à souhait. Et le groupe ne lâche pas la pression pour le final de l'album avec le rapide "A Light In The Dark"d et Ritchie Blackmore qui surenchérit de plus belle, le tout magistralement soutenu par la double grosse caisse de Powell et la basse de Jimmy Bain, et les deux solistes qui se lancent dans un final à l'unisson, du grand art, une vraie leçon de hard rock en somme. Cet album est un monument du hard rock mélodique. Tout y est, mélodie, puissance, voix magique, refrain entêtant, soli impériaux.

1976


Genesis - A Trick Of A Tail (1976)



The 8th Genesis album is almost perfect. We start with a divinely 'Dance On A Volcano' anthological. An introduction that is breathtaking: beautiful guitar, small drum kicks, gauzy synths ... From the outset, we are in the song, carried by the melody, it is on this volcano, with lots of creatures, dance (the true dance is unbridled final, Let the dance begin, the song). The song is just perfect, Collins was really the singer was needed to replace deemed irreplaceable Peter Gabriel. energetic vocals, sensational voice ... And that's only the beginning! Because after this great moment of prog-rock well balanced and unbridled place Entangled, pure acoustic marvel, folkie, soft as a baby, as melancholy, a song sung to perfection and paying the luxury end in beauty : synths imitating acute vocalizations effect make you shiver so beautiful and strange. My favorite song on the album and one of my favorite pieces of Genesis. 'Squonk', it is as balanced as 'Dance On A Volcano', and is a remarkable story of a hunter stalking the Squonk, which is, as it says on the cover, a fictional small and fantastic creature, innoffensive, very fearful and ugly. .Finally, side a ends in apotheosis about 7 minutes and some of 'Mad Man Moon', a sublime song, the unforgettable melody and taking singing.
Side B opens with 'Robbery, Assault And Battery', catchy song about a thief caught in the act by the owner of the house he robs, and that attacks and kills (apparently). A very good song. Then 'Ripples' ... (ellipses are in the title), memorable song than 8 minutes talking about old age, the search for eternal youth but, alas, will never return. Very melancholy and sublime. 'A Trick Of The Tail', short song giving the title to the album, talking horned creatures with forked tails, feet ditto that one day discover the existence of another kind of creatures without tails, without horns, and larger than themselves: basically, we as men !! A very catchy song, the piano is irresistible, the song is light, it's a totally endearing song, not the top of the album, but it's a treat. Finally, A Trick Of The Tail ends with 'Los Endos', instrumental striking that reuses bits of 'Squonk', 'Dance On A Volcano', in a kind of overall conclusion of the album. A perfect ending for an album, we have seen, perfect, a Genesis tops, a sunny drive, his wallet to his songs that are catchy enough for many. A true masterpiece of progressive rock!

Le 8ème album de Genesis est pour ainsi dire parfait.
On commence divinement par un 'Dance On A Volcano' anthologique. Une introduction qui laisse rêveur : guitare magnifique, petites ruades de batterie, synthés vaporeux... D'emblée, on est dans la chanson, emporté par cette mélodie, on est sur ce volcan, avec des tas de créatures, on danse (la vraie danse, c'est le final débridé, Let the dance begin, du morceau). Le chant est juste parfait, Collins était vraiment le chanteur qu'il fallait pour remplacer le réputé irremplaçable Peter Gabriel. Chant énergique, voix sensationnelle... Et ce n'est que le début ! Car après ce grand moment de prog-rock bien balancé et débridé, place à Entangled, une pure merveille acoustique, folkeuse, douce comme un bébé, mélancolique aussi, une chanson interprétée à la perfection et se payant le luxe de s'achever en beauté : des synthés imitant des vocalises aiguës, effet à vous faire frissonner tellement c'est beau et étrange. Mon morceau préféré de l'album et un de mes morceaux préférés de Genesis. Squonk, lui, est aussi balancé que 'Dance On A Volcano', et est une histoire remarquable sur un chasseur traquant le Squonk, lequel est, comme il est dit sur la pochette, une petite créature fictive et fantastique, innoffensive, très craintive et laide..Enfin, la face A se finit en apothéose sur les 7 minutes et quelques de 'Mad Man Moon', une chanson sublimissime, à la mélodie inoubliable et au chant prenant.
La face B s'ouvre sur 'Robbery, Assault And Battery,' chanson entraînante sur un voleur pris sur le fait par le propriétaire de la maison qu'il cambriole, et qu'il agresse et tue (apparemment). Une très bonne chanson. Puis Ripples... (les points de suspension sont dans le titre), chanson mémorable de 8 minutes parle de la vieillesse, de la recherche de la jeunesse éternelle mais qui, hélas, ne reviendra jamais. Très mélancolique, et sublime. A Trick Of The Tail, chanson courte donnant son titre à l'album, parle de créatures cornues, avec des queues fourchues, des pieds idem  qui, un jour, découvrent l'existence d'un autre genre de créatures, sans queues, sans cornes, et plus grands qu'eux : en gros, nous, les Hommes !! Une chanson très entraînante, le piano est irrésistible, le chant est léger, c'est une chanson totalement attachante, pas le sommet de l'album, mais c'est un régal. Enfin, A Trick Of The Tail se finit par 'Los Endos', instrumental saisissant qui réutilise des bribes de 'Squonk', 'Dance On A Volcano', en une sorte de conclusion globale de l'album. Une conclusion parfaite pour un album, on l'a vu, parfait, un des sommets de Genesis, un disque ensoleillé, de sa pochette à ses morceaux, qui sont pour beaucoup assez entraînants. Un vrai chef d'oeuvre de rock progressif !

1976

Elton John - Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy (1975)



Captain Fantastic is unquestionably the best Elton John album, and one of the greatest rock albums. Few artists have ever achieved such wealth, both melodic qu'orchestrale, if not the Beatles at their tops. Indeed, Captain is extremely varied: the songs go from gentle acoustic moments moments overexcited by electric guitars (the title track, Bitter Fingers), they are sometimes long, leading to choruses of deluges (Someone Saved My Life Tonight We all Fall in Love Sometimes / Curtains) and above all, they are all characterized by a touch of eccentricity. Now it is the eccentricity which reach heights in the sometimes too classical music of Elton John. In short, the album is a series of wonders, never obvious, and far from the affectations we could blame their composer. Captain Fantastic is the Elton John album to know (with Goodbye Yellow Brick Road) because it is the perfect reflection of what it has done best.

Captain Fantastic est sans conteste le meilleur album d'Elton John, et l'un des plus grands albums de rock. Peu d'artistes ont jamais atteint une telle richesse, tant mélodique qu'orchestrale, si ce n'est les Beatles à leurs sommets. En effet, Captain est extrêmement varié : les chansons passent de doux moments acoustiques à des moments survoltés par les guitares électriques (le titre éponyme, Bitter Fingers), elles sont parfois longues, conduisant à des déluges de choeurs (Someone Saved My Life Tonight, We All Fall in Love Sometimes/Curtains), et surtout, elles sont toutes caractérisées par un brin d'excentricité. Or c'est bien l'excentricité qui fait atteindre des sommets à la musique parfois trop classique d'Elton John. Bref, l'album est un enchaînement de merveilles, jamais évidentes, et bien loin des mièvreries qu'on a pu reprocher à leur compositeur. Captain Fantastic est donc L'album d'Elton john à connaître (avec Goodbye Yellow Brick Road), car il est le parfait reflet de ce que celui-ci a fait de meilleur.

1975

Pat Benatar - Crimes Of Passion (1980)



Crimes of passion, the second album of Pat Benatar is one of his most accomplished works. Her husband of singer-guitarist Neil Giraldo is credited only four pieces, but regardless, those who are not of it being excellent. The resumption Kate Bush ( "Wuthering Heights") here gives another dimension to the title, Pat Benatar singing in a high register less. There is also the famous 'Hit me with your best' by Canadian musician Eddie Schwartz, and also what the nugget 'I'm gonna follow you' composed by American Billy Steinberg who, for the record is also the source of some hits together with Tom Kelly. ( 'Like a virgin' Madonna 'True colors' Cindy Lauper, 'Eternal flame' or the Bangles 'Alone' Heart ...) Excuse still less! Crimes of passion is therefore an FM rock album of great quality which listening is always pleasant today.

Crimes of passion, le deuxième album de Pat Benatar est une de ses oeuvres les plus abouties.
Son compositeur-guitariste de mari Neil Giraldo est crédité seulement sur quatre morceaux, mais peu importe, celles qui ne sont pas de lui étant excellentes. La reprise de Kate Bush ('Wuthering Heights') donne ici une autre dimension au titre, Pat Benatar chantant dans un registre moins aigu.
Il y a aussi le très connu 'Hit me with your best' écrit par le musicien canadien Eddie Schwartz, et également la pépite qu'est 'I'm gonna follow you' composé par l'américain Billy Steinberg qui, pour la petite histoire, est aussi à l'origine de quelques hits en collaboration avec Tom Kelly. ('Like a virgin' de Madonna, 'True colors' de Cindy Lauper, 'Eternal flame' des Bangles ou encore 'Alone' de Heart ...) Excusez tout de même du peu ! Crimes of passion est donc un album de rock FM de grande qualité dont l'écoute est toujours aussi agréable aujourd'hui.

1980

Marianne Faithfull - Dangerous Acquaintances (1981)



Not easy to do better after the wonderful 'Broken English' where Marianne had just invented a genre, a feminist form of rock, hard, adult, sensual ... And she succeeded! In 1980, 'Dangerous Acquaintances' met once again the record straight. Sweetheart, uncompromising reggae is the best song of Marianne Faithfull. The sound is licked, better than on 'Broken English', the group behind a thousand thousand ideas and innovations. 25 years later, this record has not aged. On the cover, Marianne, nice to bite into fists, looking straight in the eye and without complex book his best compositions.

Pas facile de faire mieux après le merveilleux 'Broken English' où Marianne avait tout simplement inventé un genre, une forme féministe du rock, dure, adulte, sensuelle... Et elle a réussi! En 1980, 'Dangerous Acquaintances' met une fois de plus les pendules à l'heure. Sweetheart, un reggae sans concession est la meilleure chanson de Marianne Faithfull. Le son est léché, meilleur que sur 'Broken English', le groupe derrière a mille idées et mille innovations. 25 ans après, ce disque n'a pas pris une ride. Sur la pochette, Marianne, belle à s'en mordre les poings, regarde droit dans les yeux et livre sans complexe ses meilleures compositions.

From 'Dangerous Acquaintances', 1981

Joni Mitchell - Court And Spark (1974)



It was in 1973, California, Los Angeles, songwriters, their loves, their lives, drugs and all ...! Joni Mitchell thirties and has released two fine albums, and Blue For The Roses and she begins to interest producers, even abandoning his first albums trademark and let go a bit by expanding its music. Best Californian musicians of the time to meet A & M Studios in Los Angeles. Not necessarily those who rock or even folk curiously, but rather those of the nascent jazz-rock just see jazz. Joni Mitchell was requirement, she went to find Tom Scott, who had worked with her on her previous album. Tom Scott was the head of a group of jazz-rock, LA Express, in which one was Joe Sample on keyboards and the great Larry Carlton on guitar (which will be replaced in the group at its reformation by Robben Ford ). Same for bass with big names such as Max Bennet (LA Express) or Wilton Felder (The Crusaders) and Jim Hughart (Ella). To finish with the rhythm section is John Guerin that ensures drums (he worked with Zappa) and Milt Holland percussion (one of the greatest drummers in the world, says Dylan) We pass on the many guests right, left to notice when the same duo, David Crosby and Graham Nash vocals. Small technical note, the cover is signed by Joni Mitchell, who had not forgotten that she drew before singing!

On est en 1973, la Californie, Los Angeles, les songwriters, leurs amours, leur vie, la drogue, tout ça...! Joni Mitchell a la trentaine et vient de sortir deux beaux albums, Blue et For The Roses et elle commence à intéresser les producteurs, quitte à abandonner sa marque de fabrique des premiers albums et de se lâcher un peu en étoffant sa musique. Les meilleurs musiciens californiens de l'époque se réunissent aux studios A&M à Los Angeles. Pas forcément ceux qui font du rock,ni même du folk curieusement,mais plutôt ceux du jazz-rock naissant voir tout simplement du jazz.
Joni Mitchell était exigence, elle alla rechercher Tom Scott, qui avait travaillé avec elle sur son album précédent. Tom Scott était à la tête d'un groupe de jazz-rock, LA Express, dans lequel on trouvait Joe Sample aux claviers et l'immense Larry Carlton à la guitare (qui sera remplacé au sein du groupe lors de sa reformation par Robben Ford). Même chose pour la basse avec des pointures,comme Max Bennet (du LA Express) ou Wilton Felder (The Crusaders) et Jim Hughart (Ella). Pour terminer avec la section rythmique, c'est John Guerin qui assure aux tambours (il a travaillé avec Zappa) et Milt Holland aux percussions (un des plus grands batteurs du monde, dixit Dylan) On passe sur les multiples invités à droite ,à gauche pour remarquer quand même le duo, David Crosby et Graham Nash aux choeurs. Petite note technique, la pochette est signée par Joni Mitchell qui n'avait pas oublié qu'elle dessinait avant de chanter !

Tracks :

1.   Court And Spark 2:46
2.   Help Me 3:22
3.   Free Man In Paris 3:02
4.   People's Parties 2:20
5.   The Same Situation 3:05
6.   Car On A Hill 2:58
7.   Down To You 5:36
8.   Just Like This Train 4:23
9.   Raised On Robbery 3:05
10.   Trouble Child 3:57
11.   Twisted 2:1

Enjoy Music :

1974

IQ - The Road Of Bones (2015)



Composed of five titles in his long and simple version of six songs in both its versions; The Road Of Bones is a record that needs many listenings to be appreciated at its true value. From the stunning opening track entitled 'From The Outside', the tone is set: dark atmospheres at will, big guitars of Mike Holmes and rhythmic fabulous with a special prize to Tim Esau, play brilliantly combines power and subtlety. It is clear: IQ leads us straight on the road to hell paved with good intentions. The next track, 'The Road Of Bones' opens with a masterful introduction signed Neil Durant (suicidal large tablecloths, sounds unreal) relayed by the splendid singing and while retaining Peter Nicholls. Neurasthenic refrain! Then bass to Colin Edwin (Porcupine Tree) Tim Esau opens the doors to a hypnotic melody that wish goosebumps file. This just before the oriental sounds of keyboards lead to true apotheosis: Rhythmic powerful, masterful layers of synths, remarkable bass voice literally inhabited. As for the guitar of Mike, though mixed slightly off, it gives the this piece of bravery. Then comes the turn of 'Without Walls', with once again a superb job of Neil During the piano, tablecloths and samples. The next song, 'Ocean', opens with the notes of a music box. Sublimated again by a beautiful piano sensitivity and with a song on edge, soon joined by a delicate acoustic guitar and a bass absolutely beautiful (Tim really play as well as John Jowitt: great performance), it has all the ingredients needed to make a great song. Then comes the time of the coda with 'Until The End'. haunting vocals and harmonies are new and strange, from the first steps, anticipate a renewal of power (albeit moderate, eh, would see not to change a winning formula) very attractive for the future. A great success over ending sequence on an acoustic guitar / piano / absolutely beautiful voice brings tears to my eyes. For the rest, the compositions literally dripping synthesizers and especially vintage organs: the liturgy, the Hammond, the mellotroniens, etc ...: So throw an ear on the epic 'Constellations'. In the end, with 'The Road Of Bones', it stands there an album otherwise fly high, at least of excellent craftsmanship.

Composé de cinq long titres dans sa version simple et de six chansons dans sa version double; The Road Of Bones est un disque qui a besoin de nombreuses écoutes pour être apprécié à sa juste valeur.
Dès le magnifique morceau d’ouverture intitulé 'From The Outside ', le ton est donné : atmosphères ténébreuses à souhait, grosses guitares de Mike Holmes et rythmique d’enfer avec une palme spéciale à Tim Esau, au jeu alliant brillamment puissance et subtilité. C’est clair : IQ nous entraine d’emblée sur les routes d’un enfer pavé de bonnes intentions. Le titre suivant, 'The Road Of Bones', s’ouvre sur une introduction magistrale signée Neil Durant (grandes nappes suicidaires, bruitages irréels) relayée par le chant splendide et tout en retenue de Peter Nicholls. Neurasthéniques s’abstenir ! Puis la basse à la Colin Edwin (Porcupine Tree) de Tim Esau ouvre les portes à une mélodie hypnotique à souhait qui file la chair de poule. Ceci juste avant que des sonorités orientales de claviers débouchent sur une véritable apothéose : rythmique puissante, nappes magistrales de synthés, basse remarquable, vocaux littéralement habités. Quant à la guitare de Mike, quoique mixée légèrement en retrait, elle donne le la à cette pièce de bravoure. Vient alors le tour de 'Without Walls', avec encore une fois un superbe travail de Neil Durant au piano, aux nappes et aux samples.
La chanson suivante, 'Ocean', s’ouvre sur les notes d’une boite à musique. Sublimée une fois encore par un piano magnifique de sensibilité et par un chant à fleur de peau, vite rejoints par une guitare acoustique délicate et par une basse absolument magnifique (Tim joue vraiment aussi bien que John Jowitt : sacrée performance !), elle possède tous les ingrédients nécessaires à la confection d’un grand morceau. Puis vient l’heure de la coda avec 'Until The End'. Chant lancinant et harmonies inédites et étranges font, dès les premières mesures, pressentir un pouvoir de renouvellement (certes modéré, hein, faudrait voir à ne pas changer une formule qui gagne) fort alléchante pour la suite. Une belle réussite de plus qui s’achève sur une séquence guitare acoustique/piano/voix absolument magnifique qui fait monter les larmes aux yeux.
Pour le reste, les compositions dégoulinent littéralement de synthétiseurs et plus particulièrement d’orgues vintage : le liturgique, l’Hammond, les mellotroniens, etc… : jetez donc une oreille attentive sur l’epic 'Constellations'. Au final, avec 'The Road Of Bones', on tient là un  album sinon de haute volée , tout au moins d'excellente facture.

2015

Focus - X (2012)





In 1970, four young Dutchman joined Albion to register their first album "In And Out Of Focus" also known as the "Focus Plays Focus". This group is none other than Focus, expected to become the largest Dutch progressive rock band. In 2012, it is fully mature as Focus released his 10th album. The group leads one level resulted in a progressive rock sound with pleasant digressions, led by guitar hero Jan Akkerman talent and mastery of Thijs Van Leer, as comfortable with keyboards with a trumpet or flute.

En 1970, quatre jeunes Hollandais rejoignent Albion pour y enregistrer leur premier album "In And Out Of Focus", aussi connu sous le nom de "Focus Plays Focus". Ce groupe n'est nul autre que ​Focus, appelé à devenir le plus grand groupe hollandais de rock progressif.
En 2012, c'est en pleine maturité que Focus sort son 10ème album.
Le groupe nous conduit de plain-pied dans un rock progressif abouti, avec d'agréables digressions sonores, menées par le talent de guitar hero de Jan Akkerman et la maestria de Thijs Van Leer, autant à l'aise avec des claviers qu'avec une trompette ou une flûte.

2012


The Greatest Show On Earth - Horizons (1970)




Unfortunately a lot of excellent small groups of 60-70 years lived completely unknown to the general public. The Greatest Show on Earth (despite its excessive name) was one of them. A perfect mastery of instrumental technique and exceptional creativity a fusion pop / soul / funk particularly successful. Splendid melodies, brass slamming, and a great bassist Norman Watt-Roy who later played with the Clash and Ian Dury. Earth to discover!

Malheureusement des foules d'excellents petits groupes des années 60/70 ont vécu complètement méconnus du grand public. The Greatest Show on Earth (malgré son nom excessif) en était un. Une parfaite maitrise de la technique instrumentale et une créativité exceptionnelle Une fusion pop/soul/funk particulièrement réussie. Des mélodies splendides, des cuivres qui claquent, et un très grand bassiste Norman Watt Roy qui jouera plus tard avec les Clash et Ian Dury. Un disque à découvrir absolument !

1970


Alice Cooper - Love It To Death (1971)



Love it to death is a great rock record. There are pieces rhythmic and catchy ( 'Caught In A Dream', 'Long Way To Go'), the dark and disturbing rivers securities ( 'Black Juju', 'Ballad Of Dwight Fry'), the rigor tube ( ' I'm Eighteen '), calm and melodic passage (' Second Coming '), the sexy devil song ( "Is it My Body') and even a foray into the world music (the resumption of Rolf Harris 'Sun Arise' ). All it takes in new tracks and less than 40 minutes. Despite this variety, love it to death is listening to a block with obvious consistency, so that the last 3 titles keep coming and seem into one. The group also presents a universe spun into lyrics that oscillate between ego-trip, morbid images, subjective views, and Christ-references. In 1971, Alice Cooper is a group, which builds an image in the second degree grand guignol, which relates more glam than hard rock and is much closer to that of Zappa or Bowie Black Sabbath. Yet we can say that love it to death is a work of avant-garde that is the cornerstone of a style, since it is a rare manifestation of glam to the US.

Love It To Death est un très bon disque de rock. Il y a les morceaux rythmés et entraînants ('Caught In A Dream', 'Long Way To Go'), les titres fleuves sombres et inquiétants ('Black Juju', 'Ballad Of Dwight Fry'), le tube de rigueur ('I'm Eighteen'), le passage calme et mélodique ('Second Coming'), la chanson sexy en diable ('Is It My Body') et même une incursion dans la world music (la reprise de Rolf Harris 'Sun Arise'). Tout ce qu'il faut en neuf titres et moins de 40 minutes.
Malgré cette variété, Love It To Death s'écoute d'un bloc, avec une cohérence évidente, au point que les 3 derniers titres s'enchainent et semblent n'en faire qu'un. Le groupe présente aussi un univers propre, filé dans des paroles qui oscillent entre ego-trip, images morbides, vues subjectives, et références christiques. En 1971, Alice Cooper est un groupe, qui se construit une image second degré dans le grand-guignol, qui se rattache plus au glam qu'au hard-rock et qui est bien plus proche de Zappa ou Bowie que de Black Sabbath. On peut pourtant dire que Love It To Death est une oeuvre avant-gardiste qui constitue la pierre angulaire d'un style, puisqu'il s'agit d'une des rares manifestations du glam à l'américaine. Mais Love It To Death est avant tout un bon disque de rock. Un grand disque de rock.

From ' Love It To Death', 1971




Spooky Tooth - Spooky Two (1969)




Excellent training blues-rock / British hard rock. In any case, the excellence of Spooky Two is not even discussed. Yet everything does not start auspiciously and his attack by a rather simplistic and battery longuette, could definitely give 'Waiting For The Wind'. Fortunately, everything goes very quickly in order, thanks, initially, to the originality of a great organ that distributes riff instead to grab the front of the stage, then over the disc, thanks a guitarist who distills beautiful notes and arpeggios, pleasure crescendo. The beautiful trails are connected, passion brightens, the prize for excellence attributable to exceptional bluesy and Evil Woman Lost In My Dream. The other six tracks contribute, to different degrees, the high level of Spooky Two, their undeniable coronation. The great blues, acoustic thin, hard as we like at that time, gospel harmonies of outputs of monumental choruses, sparkling Mike Harrison on vocals, Gary Wright a pen as inspired as his keyboards, guitarist among the most inventive of his generation (Luther Grosvenor), Spooky Two is the favorite album of fans and this is not surprising.

Excellente formation de blues-rock/hard-rock britannique. En tout cas, l'excellence sur Spooky Two ne se discute même pas. Pourtant, tout ne démarre pas sous les meilleurs auspices et son attaque par une batterie un peu simpliste et longuette, pourrait faire renoncer définitivement 'Waiting For The Wind'. Heureusement, tout rentre très rapidement dans l'ordre, grâce, dans un premier temps, à l'originalité d'un orgue génial qui distribue du riff au lieu de s'accaparer le devant de la scène, puis au fil du disque, grâce à un guitariste qui distille de magnifiques notes et arpèges, le plaisir va crescendo. Les belles pistes s'enchaînent, la passion s'avive, la palme de l'excellence revenant à l'exceptionnel bluesy Evil Woman et à Lost In My Dream. Les six autres pistes contribuent, à des degrés différents, au haut niveau de Spooky Two, leur indéniable couronnement. Du grand blues, de la fine acoustique, du hard comme on l'aime à cette époque, des harmonies de gospel sorties de choeurs monumentaux, un étincelant Mike Harrison au chant, un Gary Wright à la plume aussi inspirée que ses claviers, un guitariste parmi les plus inventifs de sa génération (Luther Grosvenor), Spooky Two est l'opus préféré des fans et cela n'a rien de surprenant.

1969

Meredith Brooks - Blurring The Edges (1997)





This first album of the singer and guitarist Meredith Brooks was a great success - especially with the super-tube that was 'Bitch'. The artist develops here very classic pop sounds, as in 'What Would Happen', but it also gives us appreciate innovative sounds, as in 'I Watched You Fall' or 'Pollyanne'. There is even a very electro song: 'Shatter'. Another title, like 'I Need', is a beautiful synthesis between pop and electro. Meredith Brooks delights us with her voice, a really powerful effectiveness ( 'Bitch', 'Somedays'), and beautiful ballads - such as 'Stop' - but also for her musical qualities, especially with the brilliant solo 'It do not get better'.

Ce premier album de la chanteuse et guitariste américaine Meredith Brooks fut un grand succès  - notamment avec le super-tube que fut 'Bitch'. L'artiste développe ici des sonorités pop très classiques, comme dans 'What Would Happen', mais elle nous donne aussi à apprécier des sons innovants, comme dans 'I Watched You Fall' ou 'Pollyanne'. Il y a même un morceau très électro : 'Shatter'. Un autre titre, comme 'I Need', représente une jolie synthèse entre pop et électro. 
Meredith Brooks nous ravit avec sa voix, d'une efficacité vraiment percutante ('Bitch', 'Somedays'), et de superbes ballades - comme par exemple 'Stop' - mais aussi pour ses qualités de musicienne, notamment avec le brillant solo de 'It don't get better'. 

Meredith Brooks - I Need

From 'Blurring The Edges', 1997

From 'Blurring The Edges', 1997

From 'Blurring The Edges', 1997

From 'Blurring The Edges', 1997

From 'Blurring The Edges', 1997